The Units | 1980 | Digital Stimulation

Synth | Art Punk

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Scott Ryser (sintetizador y voz), Rachel Webber (sintetizador y voz), Brad Saunders (batería) y Jim Reynolds (vibráfono en "Tight Fit")

Muchas bandas graban un solo disco, se separan y pasan a la posteridad sin pena ni gloria, dejando detrás de sí un legado difícilmente recordable. Tal vez muchos discrepen con esta idea, porque claramente hay excepciones a la regla. Pero hay que tener presente el sesgo a favor de los ganadores, esto es, el hecho de que recordamos sólo a esas bandas legendarias que con un solo trabajo discográfico lograron enmarcar su nombre en la historia de la música, en desmedro de millares de otros proyectos cuyos frutos quedaron relegados al olvido.

Sin embargo, la línea que en este escenario separa los éxitos de los fracasos es más bien difusa. Para muchos, probablemente The Units sea un nombre desconocido. Digital Stimulation, el único larga duración de esta banda californiana, fue editado en vinilo en 1980 y a la fecha no existen re-ediciones (aunque hace un par de semanas se anunció, por fin, una nueva edición). Pero los hechos no se condicen con lo que se escucha en el álbum. The Units fueron pioneros en el synth punk, y no puede haber mejor representante del género que Digital Stimulation.
El sonido de la placa es muy accesible, lo que a primera escucha puede malinterpretarse como un estilo demasiado sencillo y sin profundidad. Pero a medida que uno se va repitiendo el plato, van apareciendo destellos de colores que antes no se notaban, y en su sencillez, el sonido alcanza una emotividad honda que se manifiesta en cada una de las canciones de componen Digital Stimulation. Lo hermoso del disco es que esa profundidad va de la mano de melodías pegajosas que mantenienen vivo el espíritu del álbum en todo momento: un cariz perfecto de melancolía alegre.
Puede que The Units no hayan alcanzado un lugar ilustre en la historia de la música, pero difícilmente alguien que haya pasado por Digital Stimulation, su único larga duración, podría decir que no merecen ese honor. Es un álbum perfecto. -IMF

Leonard Cohen | 1967 | Songs of Leonard Cohen

Contemporary Folk

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Songs of Leonard Cohen, el debut del músico canadiense, no necesita más que un hombre y su guitarra para alcanzar la perfección. Con un sonido sencillísimo que se vale de unos pocos arreglos adicionales para apoyar las atmósferas, el álbum se sustenta primordialmente en la genialidad de las composiciones de Cohen y la gravedad y dulzura de su voz. Y de verdad que no necesita más que eso.

Songs of Leonard Cohen, en su sencillez, es una hermosa muestra de humanidad y prueba definitiva de que, al final, lo que importa es la expresión honesta y no los adornos que se puedan colgar alrededor. Este álbum es sólo contenido; no hay nada que sobre, como debería ser siempre en la música. Por eso no sorprende que pese a ser lanzado en 1967 -un año lleno de clásicos- sea un disco infantable entre los mejores de la historia. No es exageración. -IMF

Discharge | 1982 | Hear Nothing See Nothing Say Nothing

D-Beat | Hardcore | Crust Punk

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Cal (voz), Bones (guitarra), Rainy (bajo) y Garry Maloney (batería)

Hear Nothing See Nothing Say Nothing es un disco intensísimo. Es un derroche total de energía y rabia, con una velocidad y potencia difícilmente igualables. Discharge no necesitan un gran desarrollo compositivo para lograr canciones que atrapan a la primera escucha, y que más que apuntar al talento técnico en la ejecución, buscan un construir un caos sónico. La batería de Garry Maloney no para, y cada baquetazo es sólido, con decisión, sin cautela, al igual que la guitarra de Bones, que suena afilada en todo momento.

Ahora bien, alguien podría quejarse de la monotonía del sonido, pero la verdad es que la primera escucha puede ser engañosa. Por un lado, claramente el álbum no busca un desarrollo en el margen extensivo, sino que se basa más en la idea de llevar al límite una misma fórmula. Y a eso, por otra parte, hay que sumarle el hecho de que esa fórmula está muy bien desarrollada, y cada pieza, aunque sin escaparse mucho de una línea guía, logra constituirse como una unidad individual, algo que se va descubriendo con cada escucha. Para cerrar, en pocas palabras: intenso, furioso y alienado. -IMF

Yoshitaka Azuma | 1995 | Panzer Dragoon

Video Game | Soundtrack

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Yoshitaka Azuma, Panzer Dragoon Special Orchestra y Koji Haijima (conducción)

Acá no es común la música de videojuegos, pero sí es la música con alma. Panzer Dragoon hoy se ve feo y tosco, pero la pasión por crear algo único persiste. Cuenta una historia abstracta y confusa, donde el protagonista no tiene nombre ni motivación aparente. Pero el juego sí tiene una dirección clara y esa es hacia adelante, siempre. No puede haber cavilaciones y la música refuerza la consigna: debes llegar hasta el final, aunque no sepas que es lo que te espera.
Si en la pantalla vemos confusión, lo que entra por nuestros oídos es firme decisión. Cada canción cuenta con una energía percusiva incesante. Incluso las más tranquilas composiciones orquestales cuentan con una discreta batería militar cuyos compases son el puntapié a la ofensiva permanente.
¿Vale la pena oír la banda sonora por sí sola? Creo que sí. Hay bellas composiciones orquestales que se sostienen por su cuenta, mientras que el grueso del trabajo se mantiene a flote gracias a su permanente ímpetu. Este juego es un rail-shooter (en pocas palabras: el avatar del jugador se mueve sólo a un ritmo preestablecido, por lo que cada nivel tiene una duración fija), así que la experiencia sónica es al menos constante. Y si quedan con la curiosidad y no pueden jugarlo, véanlo en acción; el juego entero dura casi exactamente una hora, lo mismo que esta banda sonora. -PBG

Ornette Coleman | 1966 | The Empty Foxhole

Avant-Garde Jazz

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Ornette Coleman (saxofón alto, trompeta y violín), Charlie Haden (bajo) y Denardo Coleman (batería)

The Empty Foxhole es un álbum caótico en un sentido diferente al que tradicionalmente aplica cuando se habla de Ornette Coleman. Suena descuidado, un poco disparatado, desarmado; la batería de Denardo Coleman -quien tenía sólo 10 años al momento de la grabación del disco- es enérgica y desbordante; su papá, Ornette, se entretiene improvisando, metiendo ruido, melodías más simples que lo habitual (y, como novedad, tocando violín y trompeta); y el gran Charlie Haden (QEPD) da rienda suelta a su walkin' bass, sin parar.

Sin desmerecer al trabajo de Coleman con su legendario cuarteto, el formato trío le da una mayor libertad improvisacional al conjunto, aunque también significa una menor contundencia. Sin embargo, no es contundencia lo que The Empty Foxhole busca, sino espontaneidad y un sonido lúdico, algo que sí consigue.

Tal vez, en este sentido, no es una obra maestra como varios de los discos de Ornette lo son, pero es un álbum lleno de vida, alegre en un sentido pueril. Pueril es, quizá, la palabra más indicada para describirlo. Es, al final, un gran disco, con alma muy propia. -IMF

La STPO | 2006 | Tranches de temps jeté

Avant-Prog

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Jim B (guitarra, voz y otros), Patrice Babin (batería, percusiones y voz), Benoit Delaune (bajo, cello y voz), Christophe Gautheur (saxofón, sintetizador y voz), Pascal Godjikian (voz y didgeridoo) e invitados

La STPO es una banda difícil de reseñar. El camino fácil sería decir que su sonido es extraño, experimental y vanguardista. Pero eso sería contar sólo una parte de la historia. Porque sí, efectivamente la banda no es fácil, su música es oscura y críptica, pero hay mucho más allá de eso, y ahí es cuando transcribir en palabras se vuelve una tarea más desafiante.

Tranches de temps jeté da buena cuenta de, por un lado, esa vocación avant-prog de La STPO, con el espíritu ecléctico y casi esquizofrénico que caracteriza el material de los franceses. Pero también, de un modo más sutil, está lleno de una teatralidad y una solemnidad emotiva admirables. El álbum tiene un hermoso cariz introspectivo, y tanto la prodigiosa sección instrumental de la banda como la voz febril y llena de feeling de Pascal Godjikian contribuyen a construir esta atmósfera que, aunque oscura, está llena de colores.
No es fácil encontrar símiles en su sonido, pero tal vez una referencia razonable sea Un Festín Sagital (de hecho, algunos pasajes de "The Sound of the City Seems Not to Dissapear", el quinto tema del disco, me recordaron por momentos a "La Muerte Loca (Tango Fallido)", de Las Bestias Solares). Y al igual que los chilenos, La STPO logran crear, en base a sus intrincadas pero catárticas disonancias, paisajes sonoros honestos y humanos. Tranches de temps jeté es un disco que cambia con cada escucha, que siempre desenfunda nuevos detalles y prende luces nuevas en lugares que antes estaban a oscuras. Para mí, un imperdible. -IMF

Pocahaunted | 2012 | Geneva Misses

Psychedelic | Dub

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(rip propio)

Debo admitir que de Geneva Misses no esperaba mucho. Después de que Bethany Cosentino dejó Pocahaunted y Amanda Brown re-armó la banda dejando atrás el formato dúo, creí que el sonido seguiría el camino que desde un principio habían seguido Cosentino y Brown, es decir, el sonido drone/experimental con sabor nativo-americano que cultivaba la dupla desde sus primeros lanzamientos en conjunto. Pero no; salió Make It Real, el primer álbum de la reformada banda, y mis expectativas no se cumplieron. Y por lo mismo, creo que nunca pude formarme un juicio lo suficientemente objetivo sobre ese disco.
En 2010 se anunció el fin de Pocahaunted y un tiempo después, en 2012, apareció Geneva Misses, un registro en vivo grabado en Ginebra, Suiza. Cuando vi el tracklist y me fijé en que todos los temas son de Make It Real, me decepcioné un poco, pero ¿cómo no iba a darle una oportunidad al último disco en la corta, pero fructífera trayectoria de Pocahaunted?
Aunque sigo pensando que Make It Real está lejos de ser lo mejor dentro de la discografía de la banda, Geneva Misses es un muy buen álbum en vivo, con versiones de las canciones por lejos -muy lejos- mejores a las de estudio. El dub siempre estuvo presente, en cierta medida, en la trayectoria de la banda (por ejemplo, en Island Diamonds), y en Geneva Misses alcanza su máximo apogeo, sacando, además, la mejor parte del espíritu psicodélico que caracterizó su etapa post-reforma. En otras palabras, se nutre de algunos de los elementos más luminosos de la historia de Pocahaunted y los complementa con la energía de la banda en vivo. En suma, es un excelente cierre para una discografía también llena de álbumes imperdibles. -IMF

Moon Duo | 2012 | Circles

Neo-Psychedelia | Space Rock

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Ripley Johnson, Sanae Yamada y Phil Manley (bajo en "Dance Pt. 3" y "Free Action")

El segundo álbum de Moon Duo, Circles, muestra la maduración perfecta de su sonido. Entretenido desde la primera escucha, el disco se construye en base a una psicodelia amena y melódica. La monotonía es un elemento central en este escenario; pero no una monotonía como sinónimo de repetición aburrida e innecesaria, sino en clave motorik, cautivante y pegajosa. La repetición incesante -casi como un mantra- de las bases sintetizadas de Sanae Yamada es sazonada con las voces espaciales de Ripley Johnson y su siempre acertado desarrollo en la guitarra, con solos que se mergen hermosamente con el fondo hipnótico y minimalista que Yamada sostiene inagotable. Un excelente álbum, con una exploración perfecta del sonido tan característico y original de Moon Duo. -IMF

Ted Nugent | 1975 | Ted Nugent

Hard Rock

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Derek St. Holmes (voz y guitarra), Ted Nugent (guitarra, voz y percusión), Rob Grange (bajo) y Cliff Davies (batería, vibráfono y voz)

-¿Puedo aportar cualquier cosa?
-Esa es la idea.
-¿Estás seguro? Puede que te arrepientas...
-Sí, seguro.
-¿Incluso... Ted Nugent?
-(Pausa) Bueno, si la música es buena...

Lo dije en broma, como si Ted Nugent fuera lo peor del mundo. En realidad, no lo sé. Me hace reír. Lo divertido es que materializa todos los clichés del buen republicano y luego nos enteramos de esto. Es un grande, ¿no?
Pero la persona de Ted se me olvida al oír este disco. Es tan bueno que le perdono todo. Hasta lo desconoces cuando empieza a sonar la psicodélica "Stranglehold" al abrir el disco. ¡Si hasta Ted se da cuenta! Y rápidamente encauza el resto del disco en otra dirección porque está sonando muy volado para ser un republicano ejemplar. Así que rápidamente esconde las drogas y empieza "Stormtroopin'", sin psicodelia, pero dando rienda suelta a ese hard rock que es igual de adictivo por su arrebato, fuerza y explosividad, sumado a una simpleza en su presentación que lo hace aún mejor, tomando el mismo camino que Montrose siguió dos años antes.
A veces es necesario separar la música del músico. Ted Nugent podrá no ser digno de admiración, pero vaya que sabe tocar la guitarra. Como vocalista no es gran cosa (por lo mismo, "Motor City Madhouse" no me gusta mucho pese a ser considerada un clásico), pero el grueso del trabajo vocal acá lo hace Derek St. Holmes y la sinergia lograda es perfecta. Al igual que el ya referido trabajo de Montrose: un disco recomendado para pasarla bien. Ni más ni menos. -PBG

John Coltrane | 1966 | Ascension

Free | Spiritual Jazz

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John Coltrane (saxofón tenor), Pharoah Sanders (saxofón tenor), Archie Shepp (saxofón tenor), John Tchicai (saxofón alto), Marion Brown (saxofón alto), Freddie Hubbard (trompeta), Dewey Johnson (trompeta), McCoy Tyner (piano), Art Davis (bajo), Jimmy Garrison (bajo) y Elvin Jones (batería)

Ascension es, sin lugar a dudas, una de las piezas fundamentales no sólo del free jazz, sino del jazz y la música en general. En contraste con el enfoque más bien nihilista con el que Ornette Coleman había trabajado en, por ejemplo, el seminal Free Jazz -álbum que le dio su nombre al género-, John Coltrane sazonó esta experimentación grupal con el aire espiritual que caracterizó gran parte de su carrera. El propio título del disco así lo indica: en Ascension es todo ascendente, toda improvisación forma parte de un viaje espiritual que paulatinamente entreteje una realidad supraterrenal.
Pero no es un viaje fácil. Es disonante, caótico y, para muchos, simplemente una sarta de sonidos aleatorios que conforman un todo sin estructura. Y sí, en buena parte así es. Pero detrás de esa ininteligibilidad subyace un concepto exploratorio que le da sentido a todo: la libertad, el romper las cadenas de lo normado -algo particularmente fuerte en un género tradicionalmente tan estandarizado como el jazz- y de dar rienda suelta a la expresión humana, sin límites. Si a eso le suman el nivel del line-up en el álbum y el sustento espiritual ya descrito, resulta ser que Ascension es un trabajo simplemente incomparable. En él, todos los instrumentos apuntan a lo mismo. Hablan distintos idiomas, a destiempo, a su tiempo, pero todos transmiten lo mismo. Todos forman parte de una nebulosa sónica inconfundible, catártica, liberadora, mística. Es caótico y ruidoso, pero la vida también lo es. Nuestras almas lo son. No hay orden en este tipo de cosas, ¿y por qué habría de haberlo en la música? ¿No es la música, al fin y al cabo, una expresión espiritual? -IMF

Notch | 1998 | The Path

Psybient | Ambient Techno

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Daniel Ringström (electronica y voz), Johannes Hedberg (electronica y voz), Mikael Lindqvist (electronica) y Yidaki (didgeridoo)

Este es el primer trabajo de Carbon Based Lifeforms y el único bajo el nombre de Notch. Hay dos cosas curiosas: el nombre 'Carbon Based Lifeforms' le vendría muy bien a este disco porque tiene un sonido orgánico que no tienen los posteriores trabajos del ahora dúo. Dos: es superior, y por bastante, al debut con el nuevo nombre. No sé si llamarla una regresión, pero sí una evolución complicada.

Hay dos extremos: beats llamativos y ambient simple, discreto. Carbon Based Lifeforms se mueven entre estos dos mundos no siempre llegando a un balance apropiado, por lo que cada álbum (Hydroponic Garden, World of Sleepers, e Interpoler) sufre de enfoques problemáticos que los hacen discos imperfectos (¡pero no malos!). Hay buenas composiciones, pero que a veces se restan mutuamente. Al llegar a Twentythree, CBL se enfocó en una sola cosa: ambient. No hay beats, pero sí una unidad de principio a fin y eso hace que sea un gran, gran disco.

Tiempo después me enteré de que el debut de CBL no era Hydroponic Garden, sino The Path. El paralelo con Twentythree es que ambos son focalizados, aunque opuestos en su objetivo. Rara vez The Path amaina en suaves pasajes ambientales; acá hay una energía permanente que conserva el momentum hasta el final.
Cuando mencioné las bondades de la obra maestra de Esem, Scateren, destaqué el que fuera un disco electrónico que no siempre sonaba como tal. En The Path también está presente esa organicidad tan especial. Por eso creo que el nombre CBL le vendría tan bien a este disco: es el trabajo con más vida propia que estos suecos han creado. Y para hacer un segundo paralelo con el gran Scateren: también está disponible gratis. ¿Qué mejor? -PBG

Montrose | 1973 | Montrose

Hard Rock

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Sammy Haggar (voz), Ronnie Montrose (guitarra), Bill Church (bajo) y Denny Carmassi (batería)

En mi caso, mi adolescencia fue marcada por el glam. Yo no oía Iron Maiden, sino Poison (y así perdí para siempre mi credibilidad en este blog). Entrar a discutir qué es mejor es ridículo; es evidente que los grupos ingleses siempre han creado mejor música en su estado puro, así que, para poder competir, los gringos sumaron teatralidad. No importa la musicalidad, lo que importa es el swagger.
¿Qué tiene que ver esto con Montrose? Aparte del hecho que Iron Maiden les hizo buenísimos covers, Montrose es una piedra fundamental de la escena rockera estadounidense, antes de que ésta se llenara de girly looks  y luces de neón. Establecieron el núcleo musical de las bandas que la sucedieron: Montrose no buscaban crear composiciones complejas; se concentraban en lo mejor del rock, su explosividad, su raw energy. La consigna es pasarlo bien, sin complicaciones. Y si se hacía necesario demostrar talento musical, para eso están los solos, y Ronnie Montrose  (QEPD) era un guitarrista de desteridad especial pero sin excesos, que sabía cuando era momento de lanzar fuegos artificiales y cuando era momento de tranquilizarse. Pero claro; cuando era momento de brillar, vaya que deslumbraba.
El álbum debut de Montrose es todo lo bueno del rock. Es brillante en su simplicidad y a la vez impresionante en su legado. Lamentablemente y como siempre sucede con los clásicos, ese estatus se adquirió con el tiempo y Ronnie Montrose no supo en su día que este era el sonido que debía seguir creando, por lo que sus siguientes trabajos, en un ánimo de diversificar su sonido, pierden ese relentlessness, ese ímpetu. Se complicó. Y el rock se trata de justamente lo contrario, de evitar las complicaciones. -PBG

Don Cherry | 1969 | Eternal Rhythm

Avant-Garde | Free Jazz

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Don Cherry (corneta, gamelán y otros), Albert Mangelsdorff (trombón), Eje Thelin (trombón), Bernt Rosengren (saxofón tenor, oboe y otros), Sonny Sharrock (guitarra), Karl Berger (vibráfono, piano y gamelán), Joachim Kühn (piano), Arild Andersen (bajo) y Jacques Thollot (batería, gamelán y otros)

Eternal Rhythm es un registro de la presentación de Don Cherry y su banda en el Berlin Jazz Festival de 1968. Sin embargo, pasaron muchas oídas hasta que descubrí que era un disco en vivo (las reacciones del público fueron sacadas de la mezcla). De hecho, por una confusión con "mu", pensaba que el buen Don había grabado, gracias a la magia del estudio, todo lo que no fuera percusión. ¿Por qué no me di cuenta antes? Ya le responderé.

El álbum tiene una dicotomía difícil de explicar. Por una parte, como todo buen disco de jazz, Eternal Rhythm está lleno de improvisación, siempre -y esto no es un denominador común en el jazz, a veces demasiado abocado al virtuosismo- con la genialidad y la emotividad de los solos de Don.

Pero por otro lado, hay partes del disco en que no se discierne entre improvisación y composición, en particular porque estamos hablando de free jazz, es decir, no hay head ni una estructura que ayude con ciertos indicios. Esta es la parte complicada de explicar. Estas secciones del álbum son demasiado pulidas y complejas como para ser fruto de improvisación; los giros de las melodías son enrevesados, pero a la vez musicalmente perfectos. Pero, al mismo tiempo, son demasiado vivas como para ser fruto del estudio; demasiado fluidas como para ser premeditadas.

Hay que sumar otro elemento que hace de Eternal Rhythm un álbum sencillamente perfecto: el diálogo entre los músicos. El principal factor por el que creí que era una grabación de estudio es que me resultaba imposible pensar que personas distintas, con distinta experiencia, distintos orígenes; en fin, que personas con distintas almas pudieran llegar a un nivel tal de compenetración como el que se logra acá. No creía posible que alguien más que el propio Don Cherry pudiera conseguir que todos los instrumentos hablaran un mismo lenguaje, que las distintas voces consiguieran un espacio milimétricamente preciso en una intrincada, pero natural -casi obvia- nebulosa de sonidos.

Pero hay que agregar más: en Eternal Rhythm se conjuga esta absoluta genialidad instrumental con una prodigiosa capacidad creativa. Sí, seguimos hablando de jazz, pero Cherry y sus compañeros llenaron el álbum de influencias orientales, tribales, universales. En este álbum se habla el idioma del mundo. Se alcanzó, no sé cómo (¿estas cosas tienen respuesta?), una alienación de todo, pero con una emotividad que hace de esta perfección algo terrenal. ¿"Místico" será la palabra para definir a este álbum? Sí, yo lo llamaría así. -IMF

Kaleidoscope | 1967 | Tangerine Dream

Barroque Pop | Psychedelic Rock

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Peter Daltrey (voz y teclado), Eddy Pumer (guitarra y teclado), Steve Clark (bajo y flauta), Dan Bridgman (batería y percusión)

Tangerine Dream, el debut de los ingleses Kaleidoscope, tuvo la mala fortuna de ser editado en 1967, un año en que varios de los mejores discos de la historia también fueron publicados. Sólo por nombrar algunos: The Velvet Underground & Nico, Are You Experienced?, Safe as Milk, entre muchos otros.

En fin, por este motivo el álbum ha quedado injustamente relegado en los anales de la historia. Y es que Tangerine Dream es realmente una obra maestra que merece tener reservado un sitial en esa vasta lista de títulos recordados como lo mejor de la década.

Con un pop barroco psicodélico que desborda a ratos en un rock psicodélico que nada ha de envidiarle a The Piper at the Gates of Dawn (otro los destacados de 1967), Kaleidoscope se pasean sin dificultad entre piezas delicadas y de extrema sensibilidad musical, y momentos que, sin llegar al extremo de unos Velvet Underground, dan cuenta de la vocación de la banda por explorar los límites estilísticos de su época, con un sonido a veces pulcro, a veces nebuloso.

El cuarteto liderado por Peter Daltrey supo, a base de composiciones sencillas pero de suficiente -y amena- profundidad, crear una pieza histórica relevante no sólo como ícono del sonido de una década, sino además como un álbum de psicodelia prístina e inocente digno de ocupar un lugar privilegiado en la historia del género. -IMF

Iron Maiden | 1981 | Killers

Heavy Metal | NWOBHM

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Paul Di'Anno (voz), Adrian Smith (guitarra y voz de fondo), Dave Murray (guitarra), Steve Harris (bajo y voz de fondo) y Clive Burr (batería)

Iron Maiden fue mi banda de cabecera durante la mayor parte de la adolescencia, y ha sido genial re-descubrirla después de años sumergiéndome en un muy, muy amplio espectro musical. Volver a Iron Maiden me ha permitido encontrar y disfrutar en los discos de la banda sonidos que antes no sabía (no podía) apreciar.

Aunque no partí siendo un fanático muy heterodoxo de Maiden, con el tiempo he tendido a abordar la trayectoria de los ingleses de un modo más bien apócrifo (no, The Number of the Beast no es su mejor disco). Basta con decir que considero que la formación de Killers es la mejor de la historia de la banda.

Aunque varios de los álbumes de Iron Maiden con Bruce Dickinson se encuentran entre mis favoritos de su discografía -incluyendo mi "más favorito"-, creo que Paul Di'Anno entregaba más matices al sonido de la banda y le daba una cuota de cripticismo al mismo, en contraste con Bruce, que tiene una aproximación más histriónica y efusiva. Por otro lado, Dave Murray es un guitarrista increíble, pero creo que el tener a Adrian Smith como contraparte exprime aun mejor su talento, más allá de que Smith por sí solo ya es un aporte imprescindible al sonido de la banda; su sensibilidad musical no tiene comparación posible (Janick, lo siento, pero tú estás en otra escuela). De Steve Harris, nada que decir; no hay contrafactual, y no hay crítica necesaria. Pero otro punto que sí merece detención es la batería. Nicko McBrain es puro carisma y ha hecho una excelente labor sobre todo en los últimos trabajos de los británicos. Pero compararlo con Clive Burr es casi un acto de crueldad. El talento de Clive (Q.E.P.D.) no tenía igual; su batería es orgánica, viva, energética, incontrolable y, al mismo tiempo, matizada y templada.

Todo esto se conjuga en Killers, un disco que suena redondo como un todo, lleno de distintos colores, y hasta atmosférico. Las canciones se fortalecen en conjunto, pero también funcionan por separado. De hecho, Killers tiene algunos de los mejores temas de la historia de Iron Maiden, como -de nuevo desde la heterodoxia- "The Ides of March", "Prodigal Son" o "Drifter". La banda suena enérgica; se nota el ímpetu de los primeros años -la banda cumplía recién 5 años durante la grabación del álbum-, la explosión creativa que supuso el proceso de composición de las nuevas canciones incluidas y lo trabajadas que ya estaban algunas de las piezas, varias de ellas ya tocadas en vivo por al menos un par de años.

Killers es otro álbum perfecto en la discografía de Iron Maiden, pero que en general es pasado por alto. Es, tal vez, un álbum demasiado musical para la fanaticada metaloide, pero a la vez demasiado intenso para un público ajeno a estos sonidos. Y si usted no lo ha escuchado, ¿le dará una oportunidad? -IMF

Errante | 2014 | Punto de Quiebre

Rock | Metal Progresivo | Post-Rock

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Jebu (guitarra y voz), Felipe Rebolledo (bajo y coros) y Gustavo Pinto (batería)

Comenzaré tratando de aportar lo que más pueda con bandas a las que se les debería prestar más atención. Algo redundante si pensamos que este blog apunta a lo subterráneo, ¿no?
Estuve por casualidad en el lanzamiento del primer disco, Fragmentos Dispersos, de 2010... y mentiría si dijera que recuerdo mucho. Pasó el tiempo, bastante tiempo (¿exagero?) y volví a verlos en vivo con nueva formación y canciones más dinámicas. Presentaban Percepciones Difusas, año 2012. Su segunda entrega me gustó más que la anterior. Vi una mayor confianza en el trío que hasta ahora se mantiene intacto. Algo bueno estaba germinando.
Para mí ya Punto de Quiebre es otro salto largo. Si busca potencia, acá la tiene. Me es difícil definir su estilo... podría decir que es metal con cambios dinámicos, a ratos, atmosféricos. Ojo, que siempre con el alma tensando las cuerdas (sin dejar de lado la precisión y sordera que deja su baterista). Juzgue usted y dígame si estoy mintiendo. -JSM

The Beta Band | 1998 | The Three E.P.'s

Indie | Folk Rock | Neo-psychedelia

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Partiría describiendo el sonido, pero sé que me va a ir mal con eso porque lo que hay acá son muchos sonidos diferentes. Es sorprendente, al oírlo por primera vez, cómo las canciones van tomando rumbos inesperados. Es un sonido tan enérgico y disparatado que se vuelve adictivo: te ves oyéndolo nuevamente, pero esta vez expectante, esperando que los Betas hagan lo suyo y conviertan una otrora simple canción en cualquier cosa.

The Beta Band rebosa energía y tienen un ánimo experimental refrenado pero que arremete súbitamente; es en esos momentos de locura momentanea donde los Betas más brillan.

Este es un disco entretenidísimo, ya sea oyéndolo completo o por partes: definitivamente hay algo propio en cada uno de los EPs que lo componen. Esta banda tiene un poder hipnótico, algo hacen que sus canciones se vuelven mejores con cada oída. Tres veces recomendado. -PBG

A Full Cosmic Sound | 2014 | El Secreto Está en la Miel

Experimental | Drone | Ambient

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El Secreto Está en la Miel muestra la parte más ambiental del sonido de A Full Cosmic Sound, como lo evidencia desde un principio "Traición 73", el lado A de este 7", que si bien está en línea con lo mostrado por la banda en, por ejemplo, su debut homónimo, tiene una vocación menos electrónica y más volátil que dicho álbum. Por su parte, "El Secreto Está en la Miel", el lado B que le da el nombre al single, se lanza de lleno a una experimentación drone/ambient, con una versión de la canción aun más etérea que la contenida en uno de los splits de AFCS con The Mugris. Tal vez, en este sentido, el single adolece de algo evidente: ser demasiado corto. El ambient toma su tiempo en desarrollarse, y por lo tanto este posiblemente no sea el formato más indicado para el material de A Full Cosmic Sound. Pero más allá de eso, El Secreto Está en la Miel constituye otro excelente lanzamiento del colectivo chileno. -IMF

Chicos de Nazca | 2014 | Rainbow See the Seal

Neo-psychedelia | Space Rock

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Rainbow See the Seal -recientemente lanzado en 7" por BYM Records- es un simplísimo single de sólo dos canciones que resultan ser lo justo y preciso para que Chicos de Nazca den muestra de una parte de la mejor neo-psicodelia que haya salido de Chile. Se pueden nombrar algunas referencias en su sonido (por ejemplo, sugerir que suenan como unos Spacemen 3 más desérticos), pero la verdad es que si a este single le sumamos lo presentado en Far and Close (el único disco de la banda editado en formato físico, también por BYM), resulta evidente que el estilo es característico y propio de la banda. Realmente una joya. -IMF

Esem | 2005 | Scateren

Electronic | IDM

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Georges Marinov y Lackluster (en "Aatu(ussn)")

Scateren es un disco electrónico, pero por momentos no se siente como tal. Su colorida portada ya lo insinúa: acá hay sonidos orgánicos, estimulantes y llenos de vida.

Este es el tercer disco de Esem y es en el cual su sonido evoluciona bruscamente, desde una electrónica 'convencional' a un sonido que florece en texturas diversas y que afectan otras sensibilidades. Me produce una fuerte nostalgia; es esa emoción que sentía años atrás cuando era fácilmente impresionable, al recién conocer todo este mundo del internet, los videojuegos, la tecnología, y sentir admiración por todos los nuevos colores y formas que este medio iba creando. Esem forjó su sonido en la demoscene, y en Scateren tomó ese sonido y le agregó el color que los años y la nostalgia van pintando a los recuerdos.

¡Eso no es todo! La guinda de la torta es que es gratis. Este es el primer disco que se me viene a la mente al pensar en el mejor disco gratuito, y deja claro que la música gratis no es una categoría inferior. Este disco no es un "buen disco, para ser gratis". No, está entre los mejores discos de todos y punto.

Por lo mismo, el primer enlace les llevará al netlabel (Kahvi Collective) donde podrán descargarlo gratis en OGG. Hay un link adicional, que está en MP3 re-convertido para la conveniencia de quienes usen reproductores incompatibles, pero tengan claro que el archivo pesa más y el sonido es peor. Les recomiendo el archivo en OGG, pero lo importante es que, sea el formato que sea, oigan este hermoso trabajo. -PBG

Yppah | 2012 | Eighty One

Electronic | IDM | Downtempo

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Joe Corrales Jr. (música), Anomie Belle (voz, cuerdas y programación adicional)

Para dejar la vara alta desde el inicio, mi primer aporte debe ser un disco perfecto. Eighty One fácilmente cabe en esa categoría.
Hay muchos discos felices, discos que me llenan de energía y me llevan a saltar y gritar. Eighty One es un disco que me hace feliz con la simple satisfacción de que la vida, con sus altos y bajos, es bella tal cual es.

Yppah era de un sonido juguetón en sus dos primeros álbumes. Con su tercera placa, se aprecia una maduración radical en su estilo. Dejó de lado ese aire medio infantil y ligero, pero sin traicionar sus raíces: al oírlo, sabemos que es el mismo Joe Corrales Jr. de siempre; sus trucos siguen siendo reconocibles. Pero Joe ha decidido elevar su música a un nivel más allá, y el resultado es, en mi humilde opinión, perfecto. -PBG

Yajaira | 2014 | Antiguos Demonios

Stoner Rock

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Enlace | mp3 | 320 Kbps

Comegato Montenegro (bajo y voz), Samuel Maquieira (guitarra), Piri Latapiat (guitarra) y Christian MacDonald (batería)

Resulta evidente para cualquiera que esté familiarizado con el trabajo de Yajaira que el sonido de la banda post-reunión no retomó, precisamente, su estilo previo a la disolución. Como quedó de manifiesto en Vuelve a arder, el álbum que precedió a Antiguos Demonios, el reformado cuarteto se encaminó por una senda más oscura y cruda que el stoner de tintes psicodélicos que caracterizó la música de Yajaira antes de dividirse en 2006; un camino que evidenció, quizá, un mayor peso en la composición por parte de Comegato (aunque no se llegó al peso del sludge de Electrozombies, es inevitable no pensar en el trío en algunos pasajes de Vuelve a arder).
Sin embargo, con Antiguos Demonios, su nuevo EP, aparecen ciertas luces que sugieren que Yajaira está, lentamente, recuperando el sonido orgánico y volátil de su primera etapa, aunque sin olvidar las lecciones aprendidas en Vuelve a arder. Gracias a eso, la banda suena más afiatada, libre y dinámica que en dicho álbum. La nueva madurez de los capitalinos se está traduciendo no en un sonido predecible y automático, sino más bien en una capacidad de llevar a cabo una búsqueda musical en que la exploración de nuevos límites está asociada a un mejor proceso creativo, y no a un sonido forzado o añejo. Una muy buena sorpresa de Yajaira. -IMF

The Ganjas | 2014 | After Dark

Neo-Psychedelia | Indie Rock

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Enlace | mp3 | V0 (rip propio)

Samuel Maquieira (guitarra, voz, lap steel guitar y teclado), Pablo Giadach (guitarra y voz), Pape Astaburuaga (bajo y voz) y Aldo Benincasa (batería y pandero)

El último álbum de The Ganjas contiene una dualidad que lo hace uno de los trabajos más interesantes de su carrera. Por un lado, prosigue el camino que la banda comenzó a trazar en Loose, con un sonido más maduro, menos lisérgico y más cercano al indie que al stoner que caracterizó los primeros días de la banda. Sin embargo, en contraste con Loose y Resistance, After Dark refleja un trabajo de estudio mucho mejor desarrollado, sobre todo en comparación al de Resistance, el álbum más débil de la discografía del cuarteto. La banda suena muchísimo más afiatada y más cómoda en el estudio, y el resultado da cuenta de un proceso creativo más concienzudo y menos apurado que el de su predecesor.
Por otra parte, After Dark recupera un elemento que no aparecía desde Laydown: las atmósferas. Si bien sus dos predecesores ya apuntaban en dirección a esta reivindicación, sólo en After Dark la banda ha podido volver de lleno a transformar su otrora volatilidad psicodélica en un desarrollo de atmósferas etéreas que recuperan la genialidad que en Resistance se había dormido.
En síntesis, After Dark da nueva esperanza a los escépticos del nuevo sonido de The Ganjas. Es un álbum muy sólido y pulido, y si bien los nostálgicos de la psicodelia más pura podrán -con genuina razón- mostrarse reacios a seguir los pasos que la banda está dando, la magia instrumental de la banda sigue ahí. -IMF

A Full Cosmic Sound | 2011 | A Full Cosmic Sound

Exp | Psych | Drone
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Enlace | mp3 | V0

El primer disco de A Full Cosmic Sound constituye un ritual experimental que logra sonar, al mismo tiempo, etéreo, críptico e hipnótico. Es difícil de clasificar en géneros específicos, pero creo que esa es precisamente la idea.
La banda fusiona sus influencias en una suerte de drone rock espacial que en su desarrollo sencillo introduce una sensibilidad melódica sutil, pero honesta y emotiva. Pese que la música que lo compone está fuertemente basada en instrumentos electrónicos (incluyendo, por ejemplo, las percusiones), el debut homónimo de AFCS suena orgánico y humano, y en sólo cinco piezas da cuenta del potencial creador que desde un inicio mostró la banda. -IMF

Earth | 2008 | The Bees Made Honey in the Lion's Skull

Experimental Rock | Post-Rock

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Enlace | mp3 | 320 Kbps

Dylan Carlson (guitarra), Adrienne Davies (batería y percusión), Steve Moore (piano, órgano y piano eléctrico), Don McGreevy (bajo y contrabajo)

Espero haber escogido bien el disco que les dejo para debutar. No creo ser muy bueno al momento de escribir, mucho menos haciendo reseñas de discos. Decidí subir mi disco favorito de Earth a modo de homenaje para el mismo blog. En lo personal, el anzuelo para llegar aquí fue su carátula y terminó de hacer su acto de magia hasta el acto final.
Otra cosa, la edición en vinilo (que no tengo) trae un bonus track que incluí, cortesía de algún torrent perdido y dejándome en evidencia como un leecher silencioso. Disfruten este disco nota a nota y si quieren, compartan sus opiniones y canciones favoritas.
"From strenght sweetness, from darkness light. The bees made honey in the lion's skull". Gracias por leer. -JSM

Ya con el etéreo y atmosférico HEX de 2005 iba quedando claro que Earth estaba dándole un nuevo giro a su estilo, dándole un toque más ambiental y pausado a su tradicional drone doom. En The Bees Made Honey... la transición quedaba más en evidencia: la banda empezó a sonar más a post-rock y a incorporar ciertas influencias de americana en sus composiciones. Y lo hermoso y melódico del disco hacen que realmente sorprenda lo bien logrado que fue el cambio en su sonido. The Bees Made Honey... le dio nueva vida a la banda de Dylan Carlson y se consagró, de paso, como uno de los mejores álbumes de su discografía. -IMF