Ignatz | 2023 | The Cure

Psychedelic Folk
Compra | Descarga | Escucha
The Cure marca el regreso discográfico de Ignatz —proyecto del músico belga Bram Devens— tras dos años sin publicar nuevo material de estudio (los más recientes habían sido el EP You Can't See Me y el álbum Saturday's Den, este último con su proyecto Ignatz & De Stervende Honden).
Musicalmente, este nuevo EP sigue el sonido tradicional de Ignatz, ese avant-folk psicodélico y lo-fi que ha caracterizado gran parte de su discografía con distintos matices y que aquí aparece en una veta ostensiblemente más melancólica que en sus trabajos previos. En The Cure —que por lo visto está inspirado por la banda inglesa The Cure, como su nombre sugiere—, Ignatz recurre a arreglos instrumentales delicados y repetitivos para pincelar atmósferas solitarias que van apareciendo sin vehemencia, con un letargo que, aunque por momentos incluso triste, acoge con calidez. En este sentido, el trabajo melódico en varias capas que Devens lleva a cabo constituye un cimiento fundamental para dotar al EP de un carácter envolvente e hipnótico, evitando con ello el riesgo de un sonido árido en su desnudez.
Tal vez su aire cabizbajo llegue a ser un poco fatigoso y espeso a ratos, pero más allá de eso The Cure muestra a Ignatz en plena forma y constituye, por lo mismo, un muy bienvenido retorno, que esperemos venga acompañado de más lanzamientos pronto. -IMF

Traidora | 2023 | Un cuerpo trans lleno de odio

D-Beat
Compra | Escucha | Descarga
Un cuerpo trans lleno de odio es el EP debut de Traidora, proyecto solista de Eva A, música chilena nacida en Venezuela y actualmente radicada en Londres, Inglaterra. Musicalmente, este nuevo material marca una distancia clara con respecto a To a Ghost Town, el disco solista que había publicado bajo el nombre Eva Leblanc en 2021, en una veta próxima al post-rock, y tiende más bien a acercarse a las raíces hardcore punk de sus proyectos en Chile y sobre todo de Ättestor, la banda inglesa que integró por un tiempo. Sin embargo, Un cuerpo trans lleno de odio va incluso más allá, con un sonido pesado, ruidoso y crudo a más no poder, que bebe directamente del d-beat, pero sin caer en la recreación insípida de Discharge en que se hunde probablemente la mayor parte de los proyectos en esta senda. Además de una calidad compositiva que destaca desde el primer instante, el EP nutre su espíritu d-beat con texturas abrasivas que lo vuelven muchísimo más combativo y denso, dándole a su sonido una vitalidad y frescura que también saltan a la luz con toda claridad.
A esto último también contribuyen las letras, oscuras, rabiosas, depresivas y a ratos crípticas, cuyo carácter casi telegráfico —un clásico del d-beat— consigue hilvanar con precisión quirúrgica un relato central en torno al eje temático de la corporalidad trans, que en alguna medida atraviesa el EP. Además, la construcción melódica —si cabe la expresión— de las voces logra, como lo mejor el hardcore, constituir verdaderos himnos, con coros memorables ("Tengo un cuchillo entre mis piernas / y un alma ardiente", "El miedo, los ruidos, la calle, el llanto / desolación / y me preguntas qué vamos a hacer") y estructuras repetitivas que sólo refuerzan ese efecto.
Un cuerpo trans lleno de odio no sólo es un excelente EP y uno de los mejores lanzamientos de 2023 que he escuchado, sino también la revitalización tan urgente de un género que cae con demasiada frecuencia en la mímica inerte y la franca caricatura. -IMF

Minor Threat | 2023 | Out of Step Outtakes

Hardcore Punk
Compra | Descarga | Escucha

Ian MacKaye (voz), Lyle Preslar (guitarra), Brian Baker (guitarra), Steve Hansgen (bajo) y Jeff Nelson (batería)
El prolijo trabajo de Ian MacKaye como archivista siempre da gratas sorpresas. En esta ocasión, el turno es de Minor Threat, sin duda una de las bandas de hardcore punk más influyentes que hayan salido de la escena estadounidense. Como su nombre lo indica, Out of Step Outtakes reúne registros hasta ahora inéditos de la sesión de grabación del EP Out of Step (1983). En particular, se trata de las canciones "In My Eyes" (cuya versión original había sido publicada en el EP In My Eyes, de 1981), "Filler" (que también cuenta con una primera versión, que abre el EP Minor Threat, de 1981) y "Addams Family" (una canción que no había visto la luz de forma íntegra, pero que se utilizó parcialmente como una especie de outro de Out of Step).
Más allá de escuchar nuevas versiones de canciones clásicas de la banda y una canción del todo inédita, la novedad aquí reside en el hecho de que, a diferencia de sus encarnaciones originales, estas versiones hasta ahora desconocidas de "In My Eyes" y "Filler" cuentan con la formación de la banda como quinteto. Luego de la publicación de In My Eyes en diciembre de 1981, Minor Threat se disolvió temporalmente, para reunirse unos meses después con una nueva alineación. La banda sumó al bajista Steve Hansgen, y Brian Baker, quien era el encargado del bajo hasta ese momento, pasó a la guitarra. La formación la completaban Ian MacKaye en voz, Lyle Preslar en guitarra y Jeff Nelson en batería. Fue esta nueva encarnación —ahora con dos guitarras— la que entró al estudio en enero de 1983 para grabar Out of Step, un EP que marcó el tránsito a un sonido más eso y decidido, que no dejaba títere con cabeza.
Esa evolución queda plenamente cristalizada en las tres canciones que componen Out of Step Outtakes. Minor Threat suenan aquí afiatados como nunca; conforman una maquinaria aceitada en que es evidente el efecto de la nueva formación, con las dos guitarras atronando afiladísimas y dotando a la banda de un sonido más completo, tal como ya había dado cuenta Out of Step. Este nuevo EP, aunque breve y tan vez sin mucho atractivo para nuevos oyentes, viene a confirmar el legado incontestable de Minor Threat y su prominencia en la historia del punk. Para quienes sabemos de esa trascendencia, el material inédito de la banda siempre será bienvenido. -IMF

Sarah Davachi | 2023 | Long Gradus

Drone | Chamber Music
Compra | Escucha | Descarga

Alissa Cheung (violín), Clemens Merkel (violín), Stéphanie Bozzini (viola), Isabelle Bozzini (cello), Rebecca Lane (flauta y flauta bajo), Samara Dunscombe (clarinete y clarinete bajo), Mattie Barbier (trombón alto), Weston Olencki (trombón tenor), Sarah Davachi (órgano y osciladores de ondas sinusoidales) y Judith Berkson (mezzo-soprano)
Con 4 horas y media de duración, Long Gradus se yergue como el álbum más extenso de la discografía de Sarah Davachi y, más allá de eso, como un verdadero monolito sonoro por su propio peso. El disco consiste en cuatro interpretaciones distintas de la obra que le da su título, compuesta por la artista canadiense inicialmente para cuarteto de cuerdas, pero luego arreglada para cualquier tipo de instrumentos. Así, la primera iteración de la pieza se corresponde con la concepción inicial de Davachi, es decir, cuarteto de cuerdas, la segunda iteración es en vientos de madera, la tercera en bronces y órgano, y la cuarta en coro e instrumentos electrónicos.
En términos compositivos, Long Gradus no dista mucho de los maravillosos trabajos previos de Davachi, presentando un drone atmosférico y repetitivo que abraza al oyente en su calma y riqueza sobretonal, de construcción pausada y espíritu minimalista. Quizá la novedad —aunque no exclusiva de este álbum— sea el delicado trabajo microtonal que aquí se presenta, muy en línea con la investigación musicológica que Davachi ha llevado a cabo en torno al uso de distintos temperamentos en la música docta.
A eso se suma la posibilidad de oír las composiciones de Davachi en distintos arreglos instrumentales, teniendo en cuenta que la artista suele ceñirse a los instrumentos de teclas. De ahí que, lejos de ser un punto en contra, el hecho de poder escuchar estas cuatro versiones de la misma pieza reviste un atractivo genuino en Long Gradus. Cada iteración enriquece la pieza desde lo que cada configuración instrumental puede ofrecer: el brillo prístino del cuarteto de cuerdas, la calidez orgánica y acogedora de los vientos de madera, los graves conmovedores de los bronces y el órgano (me recuerda al hermoso For Organ and Brass, de la sueca Ellen Arkbro), la intimidad sobrecogedora de la voz y las ondas sinusoidales.
Long Gradus es un disco en cuya profunda belleza no hay más que perderse. Otro punto alto en la discografía de Sarah Davachi. -IMF

Föllakzoid | 2023 | V

Minimal Techno | Space Rock
Compra | Descarga | Escucha

Dominga Huidobro (instrumentos), Matías Acuña (batería) y Atom™ (producción)
En V, Föllakzoid persiste en el devenir que había marcado con claridad en su disco anterior, I (2019), caracterizado por un sonido abierta y decididamente electrónico, que contrastaba con la vocación sonora de los primeros tres álbumes de la banda, más cercanos al space rock y al krautrock. Aunque no tengo problemas con la transformación del espíritu de Föllakzoid, personalmente me pareció en su momento que I era un trabajo flojo, que sacrificaba la organicidad del sonido de la banda —que había alcanzado plena madurez en el excelente III (2015)— sin ofrecer mucho a cambio. De cierta forma, I deconstruyó el sonido del proyecto, dejando sus atmósferas desnudas, pero esa desnudez significó a su vez una desprovisión: la falta de una dirección clara, la falta de ideas suficientemente trabajadas.
Como decía, V retoma ese mismo sendero, pero pienso que aquí el resultado es otro. En pocas palabras, V es el disco que I quiso ser, pero que no alcanzó a ser. Y Dominga —quien es actualmente la única integrante fija de la banda— lo consigue sin renunciar a la nueva sonoridad que ha adoptado en Föllakzoid, dando cuenta aquí de una visión muy clara sobre la dirección del proyecto, que suena con mayor determinación, con más ideas y con un ímpetu que en I parecía latente, pero dormido, en último término. Aquí las atmósferas atrapan, envuelven y evolucionan subrepticiamente. Sin duda, la contribución de Atom™ también debe ser puesta en valor, pues el alemán fue quien disecó y ensambló el álbum a partir de los registros instrumentales de Dominga y el baterista Matías Acuña (Tenemos Explosivos, Slowkiss).
Föllakzoid recobra en V los bríos que había extraviado, adquiriendo para ello la forma de un trance hipnótico y cautivante, de temple nocturno, misterioso, psicodélico a su manera. Sin renunciar al techno minimalista que venía desarrollando, Föllakzoid le insufla su sello propio a esta veta sonora y urde aquí uno de los puntos más altos de su discografía. -IMF

Agitation Free | 2023 | Momentum

Progressive Rock | AOR

Lutz Graf-Ulbrich (guitarra, banjo y guitarra acústica), Gustl Lütjens (guitarra, guitarra acústica y voz), Michael Hoenig (teclados, sintetizador y batería electrónica), Daniel Cordes (bajo y sintetizador) y Burghard Rausch (batería)
A estas alturas, tras casi 25 años desde la publicación de su último álbum de estudio (el excelente River of Return, de 1999), había perdido toda fe en que Agitation Free pudiera reunirse para grabar nuevo material. ¿Con varios de sus integrantes de antaño, además? Imposible. Así que cuando me enteré de la publicación de Momentum, no me lo pude creer. Pero así es: Agitation Free volvió a reunirse y grabó este nuevo disco, cuya alineación cuenta con Lutz Graf-Ulbrich a la cabeza y los miembros históricos Michael Hoenig, Burghard Rausch y Gustl Lutjens, a quienes se suma Daniel Cordes, en reemplazo del fallecido Michael Günther. Cabe recordar que Lutjens falleció en 2017, por lo que imagino que al menos parte del material que aquí se presenta fue grabado ya hace varios años.
Aunque la emoción que sentí ante la posibilidad de escuchar algo nuevo de Agitation Free presagiaba un sesgo positivo frente a Momentum, fuera cual fuera el resultado, lo cierto es que recibí un rápido golpe de realidad al oírlo. Y no me vayan a malinterpretar; me encanta cuando las bandas clásicas se dan el gusto de experimentar. El propio River of Return había marcado ya un giro con respecto al material setentero de la banda, con una producción más pulida y un sonido en general menos psicodélico y decididamente más estructurado. Pero, en ese caso, se percibía en la renovación del sonido de los alemanes un componente orgánico que reflejaba que seguía siendo un ejercicio de creación colectiva orientada por melodías bien pensadas que calaban hondo. La magia de Agitation Free seguía ahí, sólo que se expresaba en otro código. 
En alguna medida, Momentum retoma ese código (o intenta hacerlo), pero suena desinspirado, como si la banda no tuviera dirección y estuviera funcionando en piloto automático. Tampoco ayudan algunas muy malas decisiones que se tomaron aquí: abrir el disco con una canción que suena a introducción, pero que dura casi 9 minutos (tendiendo, además, a una vanagloria irritante, gracias a un sample innecesario hablando sobre la banda); el uso, en buena parte del disco, de una batería electrónica que suena espantosa; y una extensión demasiado larga (casi una hora) para un material que en mayor parte no va a ningún lado. 
De seguro hay aquí algunos rincones del espíritu de antaño, pero se ven completamente opacados por el eco de un par de preguntas que resuena en todo el disco: ¿Para qué? ¿A dónde van con esto? ¿Valía la pena? Supongo que mi fanatismo absoluto por esta banda hace inevitable que pese a todo esto valore la publicación de Momentum, pero hasta para mí es claro que sólo volvería a escucharlo por ese fanatismo ciego (y sordo, en este caso). -IMF

Jorge Cabargas Schultz | 2023 | Isla Alien música original de la película

Film Score | Electronic
Compra | Descarga | Escucha
Como su título sugiere, este nuevo álbum de Jorge Cabargas (Tobías Alcayota, espectrosimulado) contiene la música original del documental Isla Alien, centrado en una historia bastante conocida de la cultura popular chilena: la Isla Friendship, una supuesta isla perdida en el sur del país, habitada por seres extraterrestres. Como antecedente relevante, cabe notar que esta no es la primera sonorización fílmica de la mano de Cabargas, pues hace unos años ya había estado a cargo de la música del documental Robar a Rodin (2017).
Aunque me es imposible hablar con plena comodidad sobre una banda sonora sin haber visto la película a la que acompaña, sí resulta palpable el hecho de que, musicalmente, este disco evoca atmósferas de ciencia ficción que de cierta manera deambulan a la perfección entre, por un lado, el misterio que rodea toda la historia de la Isla Friedship y, por otro, la inevitable hilaridad que también está asociada a este mito urbano. Por lo que se percibe en su sinopsis, este parece ser también el tono del documental, de modo que el trabajo de Cabargas consigue su cometido en ese sentido. Así, si por un lado recuerda a ratos el trabajo de pioneros de la electrónica como Delia Derbyshire y David Vorhaus (pienso en la banda sonora de The Tomorrow People) o Louis y Bebe Barron (banda sonora de Forbidden Planet), en otros se siente una vibra al imaginario involuntariamente surreal y a la vez patético de Plan 9 From Outer Space, el anti-clásico de Ed Wood. Fuera de ese vaivén, ciertos pasajes ("Taiquemó") también traen a la memoria los trabajos más tempranos de Tangerine Dream, Klaus Schulze o Cluster, entre otros proyectos de la vanguardia alemana de los setentas. Cabargas logra un excelente equilibrio entre estos distintos flancos, con un interesante tránsito entre distintos ambientes, mediados inteligentemente con el uso de extractos de diálogos del documental.
Creo ineludible, sin embargo, abordar la pregunta de si funciona como un disco por sí solo. Me siento sesgado para responder eso, porque para mí rara vez la música de las películas funciona sin las imágenes para las que fue concebida. Tampoco considero que mi posición sea polémica, porque por algo es una sonorización: está hecha para darle apoyo al relato de las imágenes, que son las protagonistas indiscutibles de un medio como el cine. Pedirle a una banda sonora más que eso es injusto. En este caso, puedo tensar un poco las cosas para decir que esta fue una escucha agradable, a lo cual contribuye la corta duración del álbum (34 minutos), que impide que llegue a sentirse tedioso o demandante. Sin duda, este material ha de demostrar su verdadera potencia en una sala de cine, dándole el respaldo sonoro al documental al que está intrínsecamente sujeto. -IMF