Mostrando entradas con la etiqueta Experimental Rock. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Experimental Rock. Mostrar todas las entradas

Caudal | 2016 | Let's All Take the Yellow Pills

Space | Post-Rock
Info | Compra | Escucha

Aidan Baker (guitarra), Gareth Sweeney (bajo) y Felipe Salazar (batería)

Tras el giro inesperado que el EP Murk significó en la discografía de Caudal, cabía preguntarse cuál sería el siguiente paso del trío berlinés. Y es que en dicho trabajo, lanzado el año pasado, la banda se aventuró en terrenos más lúgubres que los de sus álbumes previos, Forever in Another World y Ascension, que estaban teñidos de atmósferas espaciales y un espíritu kraut innegable. Así, si en estos últimos el sonido de Caudal se aproximaba a NEU!, Agitation Free o incluso a Ataxia, el cripticismo de Murk evocaba por momentos al trabajo de Aidan Baker en Nadja.
Let's All Take the Yellow Pills –pronto a ser publicado por Calostro Recordings– disipa las interrogantes sin ambigüedad. Volviendo al post-rock espacial e hipnótico de antes, Caudal parecen haber retomado decididamente el camino del que se habían bifurcado por un instante para experimentar con otras fórmulas. De este modo, la banda emprende sin dubitación una travesía por tres piezas que confirman que Baker, Sweeney y Salazar hablan un lenguaje en común; uno que, por cierto, goza de una originalidad admirable que saltaba ya a la luz en sus lanzamientos previos. Las atmósferas de Let's All Take... se entretejen con paciencia a base de un desarrollo instrumental sutil y siempre regocijador que paulatinamente da forma a paisajes sonoros delicados y ensoñadores que atrapan al oyente en un viaje introspectivo para el que la pulcra honestidad del sonido de Caudal constituye la banda sonora ideal. Otro excelente lanzamiento del trío plurinacional. -IMF

El diAblo es un magnífico | 2013 | El diAblo es un magnífico

Experimental | Post-Rock
Info | Compra | Escucha
Enlace | mp3 | V0

Cristian Sánchez, Daniel Llermaly y Cristóbal Cornejo
Esta banda chilena lleva más de diez años en el ruedo, pero en su último disco se ha reinventado como nunca antes, dejando atrás un particular –pero más cerrado– post-rock/post-hardcore, para, en esta nueva entrega, aventurarse en un sonido más ecléctico, pero sin perder identidad y cohesión. Aunque este disco homónimo fue grabado el 2013 y editado en CDr/digipack en 2014, no es sino este año cuando Volante Discos lo lanza en formato casete.
Una de las razones naturales de la reinvención del sonido de diAblo –retomando ahora su nombre original, El diAblo es un magnífico, en referencia al mensaje satánico oculto en las cintas de Xuxa– es el cambio de alineación, que de ser un quinteto, derivó a un trío compuesto por Cristian Sánchez (miembro original), Daniel Llermaly (La Golden Acapulco) y el recientemente difunto Cristóbal Cornejo –está de más decir que esta revisión está dedicada a su memoria. Si bien en sus placas anteriores (Seiseiseis, Coma, La ruta nos aportó otro paso natural, etc.) diAblo siempre cultivó un post-rock de vena experimental, algo encasillable, pero no falto de identidad, en este disco vuelven, de algún modo, a sus raíces más caóticas (Proyecto Cajas), y entregan un sonido de influencias más variadas, lejos de ser encasillable en un género particular; más bien, la banda desarrolla un estilo propio que juega con diversas influencias y ánimos.
Así, todo parte con "Chamico (Nazi Folk Fuck Off)", tema de ritmos afro-latinos que de cierta forma revelan influencias de The Ex, pero sin caer en la imitación grosera. Este tema es, sin duda, lo más accesible del disco, que después deriva, sin perder melodía, a sonidos más minimalistas y de una notable dinámica natural. "Navidad y Matanza" (que también es el nombre del proyecto personal de Cristian Sánchez) es un preferido personal, pues con instrumentación de folclore nortino, entrega un melancólico híbrido folk-sónico, que de inmediato le da profundidad y emotividad al viaje, a la vez que sencillez y corazón (desde Julio que diAblo no componían algo que llegara a los huesos). El viaje sigue con "Asunción y Caída de las Ruinas Suspendidas", canción que empieza con un sonido emparentable a los trabajos anteriores de diAblo, pues al igual que “Chamico”, tiene elementos post-rock; sin embargo, con el paso de los minutos, explota en un rugido de guitarras distorsionadas, un riff sludge rodeado de guitarras más atmosféricas y jugueteos sónicos. "Polen", de ánimo mas apacible y luminoso, son cinco minutos de guitarras acústicas vestidas con electrónica espacial. Por su parte, "Chivito Negro de Cinco Patas" es una entrega energética, en la que unas baterías danzantes (de nuevo con una vena etno-punk à la The Ex) dan base a juguetones ruidos espaciales y contrastan con un bajo drone –algo de krautrock en la línea de NEU! también es referente, sin duda. Luego, de manera natural pero sorpresiva, el chivito de cinco patas se deja rastas y nos lleva a terrenos dub (estilo venerado por La Golden Acapulco), de donde –también de forma natural y sorpresiva– llegamos a una explosión hardcore, que desaparece en un drone ambiental. El último tema del disco, "Curanderos Filipinos", es un ameno e hipnótico respiro de poco más de un minuto, en el que un ritmo nortino (?) es bañado con grabaciones de campo y vientos exóticos (algo así como una zampoña).
Sin duda es mi álbum favorito de diAblo (con Proyecto Cajas), y de alguna manera uno de mis discos favoritos grabados en Chile, no sólo por la simpatía anímica que tengo con sus sonidos, sino también por las "decisiones" sónico-musicales a la vez jugadas y naturales que atraviesan esta placa y la convierten en una pieza única, con referentes vagos y estilo propio, lo que transmite honestidad y sencillez. -Michel Leroy

Uma Totoro | 2014 | Energía Solar Para Tortugas Gigantes

Experimental | Post-Rock
Info | Escucha
Enlace | mp3 | V0
El debut homónimo de Uma Totoro tenía un carácter exploratorio palpable que ya en Aparatos que median entre la realidad y el hombre, su segundo álbum, se manifestaba en un sonido muy propio, un post-rock experimental dinámico y, aun con toques electrónicos, orgánico. En esa cronología, Energía solar para tortugas gigantes es posiblemente el punto más alto en lo que va la discografía del dúo porteño, primordialmente por la linda dicotomía que encierra: la confirmación de ese sonido característico –ciertamente con una mayor madurez– y, al mismo tiempo, un eclecticismo que marca una especie de regreso al espíritu más aventurero de Uma Totoro.
Así, por ejemplo, además de canciones más tradicionales (dentro del estilo de la banda) como "El Jirafonde" o "Al calor de las máquinas", nos encontramos con "Lobotomóvil", que podría ser un interludio en un disco reciente de Tangerine Dream, "Incidente en Roswell", que suena a experimento electrónico de Radiohead, o la canción que cierra el álbum, "Costa de Marfil", de sonido casi industrial. En ese contexto, no es sorpresa que el dúo también se haya atrevido a incorporar instrumentos acústicos en su música, como en "Bombyx Mori" o "El Sol rebota en los peces", que funcionan muy bien dentro de la fórmula de Uma Totoro.
En suma, sin sacrificar identidad, la banda logró que Energía solar para tortugas gigantes fuera un álbum dinámico y de sonido muy fresco, y que lejos de regocijarse en la comodidad de lo ya conseguido en sus predecesores, lanzó a Uma Totoro de vuelta a la travesía, a esa búsqueda sonora que parece no llevarlos nunca a mal puerto. -IMF

NEU! | 1975 | NEU! '75

Krautrock
Info | Compra | Escucha
Enlace | mp3 | 320 Kbps

Michael Rother (guitarra, piano, voz, sintetizador y electronica), Klaus Dinger (guitarra, piano, voz, percusión y órgano), Thomas Dinger (batería), Hans Lampe (batería)
A fines de 1974 Michael Rother y Klaus Dinger ya no eran unos novatos. NEU! ya tenía a su haber dos discos imprescindibles (en el caso de Dinger se sumaba, además, su participación en el debut homónimo de Kraftwerk), tras lo cual el dúo se aventuró a tomar caminos divergentes por algunos años.
Rother huyó de la agitación de la vida urbana en Düsseldorf y se fue a vivir con Hans-Joachin Roedelius y Dieter Moebius (de Cluster) a una vieja casona rural. Con ellos formó Harmonia, cuyo debut, Musik von Harmonia, fue grabado durante el segundo semestre de 1973. El nuevo trío se caracterizaría por un sonido pastoril, sosegado y ensoñador, que le debía mucho al ambient de Cluster, pero sin dejar de lado la vocación melódica de Rother, que a su vez dejaría una huella en el dúo berlinés.
Por su parte, Klaus Dinger creó Dingerland, un sello musical a través del cual editó en 1973 el álbum debut de Lilac Angels, que él mismo había producido. Sin embargo, su emprendimiento resultó un desastre financiero, por lo que al poco tiempo –y ante la consternación de Dinger– Dingerland se vio obligado a cerrar. Tras ello, comenzaría a gestarse la idea de formar La Düsseldorf junto a su hermano Thomas y Hans Lampe, un técnico del estudio del legendario Conny Plank, quien había producido los dos primeros álbumes de NEU!.
Este era el contexto en el cual Michael Rother y Klaus Dinger volverían a reunirse: un Rother ensimismado en la apacible e introspectiva vida rural y un Dinger enrabiado con la industria musical y el elusivo éxito que tardaba en llegar. Y NEU! '75 sería precisamente el resultado de esa dicotomía. El dúo acordó dedicar una mitad del álbum a la visión de Rother, teñida de una búsqueda sonora más etérea y espiritual, y la otra a la visión de Dinger, efervescente de una energía a la vez creadora y destructiva, fruto de los altibajos que había tenido que enfrentar. El resultado de esta dinámica es uno de los discos más clásicos del krautrock, en que NEU! es capaz de reformular su sonido sin dejar atrás las lecciones aprendidas en NEU! y NEU! 2, pero a la vez introduciendo los nuevos lenguajes por los que abogaban, cada uno por su parte, Rother y Dinger.
"Isi" abre la primera mitad del álbum con la misma fórmula que "Hallogallo" y "Für Immer" habían aplicado en las placas que preceden a NEU! 75: un motorik hipnótico y dinámico, que esta vez, empero, aparece matizado por la mayor delicadeza sonora de la mano de Michael Rother. "Seeland" y "Leb' Wohl" llegan, entonces, para confirmar el nuevo espíritu, constituyendo, posiblemente, las dos canciones más hermosas y frágiles de la discografía de NEU!, con un cariz atmosférico y romántico à la Caspar David Friedrich, común en el trabajo solista de Rother. En contraste, "Hero" irrumpe sin contemplaciones en un proto-punk enérgico y a estas alturas ya legendario, con el sello innegable de un Klaus Dinger explosivo como de costumbre. En la misma línea le sigue "E-Musik", aunque con un sonido más cercano al habitual en NEU!, que da pie al cierre con "After Eight", que vuelve a embestir con un proto-punk electrizante y liberador. El broche de oro de una obra maestra innegable, de un álbum que cerraría la trilogía original de NEU! a la altura de sus esfuerzos previos y que garantarizaría la inmortalidad del dúo alemán, su vigencia hasta el día de hoy y una leyenda imborrable en la historia de la música. -IMF

Alvaro the Chilean with the Singing Nose | 1977 | Drinkin My Own Sperm

Outsider | Latin | Experimental
Info | Compra | Escucha
Enlace | mp3 | 320 Kbps

Álvaro Peña (piano, percusión, pinquillo, flauta, bajo, piedras, voz y silbato), Antonio Narvàez (batería, bombo y otros) y Cathy Williams (voz en "Pálido Sol")
Tratar de clasificar de algún modo el debut del legendario Álvaro Peña es una tarea casi ilusa. Pero si fuera de vida o muerte, aventuraría lo siguiente: Drinkin My Own Sperm es lo que resultaría de combinar El Volantín de Los Jaivas, Hi, How Are You de Daniel Johnston y los momentos más experimentales de PiL, aunque esta ciertamente es una referencia que se queda corta. En otro extremo, sería una exageración tratar al álbum como un simple ejercicio de corriente de la consciencia; sería restarle crédito. Es claro que hay un trabajo compositivo detrás de estas siete piezas, particularmente en las geniales melodías de piano de Peña (el trabajo de Antonio Narváez en percusiones también es digno de ser mencionado), pero lo que puede confundir un oyente ingenuo es el hecho de que el resultado final no sea un disco empaquetado, sobre producido o con un abuso de overdubs. Drinkin My Own Sperm suena fresco en cada escucha, incomparablemente honesto, creativo, ecléctico y entretenido; además de tener un cariz melancólico que de alguna forma caracteriza a Chile (como me dijeron por ahí una vez, los chilenos somos "latinos tristes", y creo que no hay mejor definición). Todo se resume en que Drinkin My Own Sperm se trata, sin duda alguna, de uno de los mejores álbumes chilenos jamás grabados. -IMF

Pocahaunted & Robedoor | 2007 | Hunted Gathering

Drone | Free Folk
Info | Escucha
Enlace | mp3 | V0 (rip propio)

Amanda Brown, Bethany Cosentino, Britt Brown, Alex Brown, Bobb Bruno, Laena y Roy Tatum
Hunted Gathering es un álbum colaborativo que reúne a dos bandas que podríamos considerar hermanas. Pocahaunted y Robedoor ya se habían reunido anteriormente en Mouth of Prayer, al que pronto seguirían Heavy Sets y Plays Berkeley. Y aunque cada banda por separado cuenta con álbumes realmente destacados (podrían mencionarse, por ejemplo, Chains e Island Diamonds de Pocahaunted, y Closer to the Cliff y Too Down to Die de Robedoor), cuando se reúnen siempre hay algo especial. Hunted Gathering es viva prueba de ello.
Cada dúo tiene su propio idioma, pero el diálogo que es capaz de generarse en la conjunción de ambos, más que resultar en una dialéctica, constituye una comunión perfecta en que el peso drone de Robedoor proporciona una atmósfera densa sobre la cual Pocahaunted construye sus alegorías nativoamericanas, siempre crípticas, pero cuya honestidad y simpleza revisten su sonido de una calidez bellísima. Hunted Gathering es un disco para perderse, dejarse llevar sin temor, porque aunque la oscuridad tiende a estar presente en todo momento, los vistazos de luz dejan entrever escenarios coloridos y solemnes en su emotividad, paisajes sonoros que no son más que una catarsis humana y sin tapujos. Un álbum perfecto. -IMF

A Full Cosmic Sound | 2015 | Live en Perú 2013

Ambient | Experimental Rock
Live en Perú 2013 es un nuevo disco en vivo de A Full Cosmic Sound que presenta el registro de la presentación de los chilenos en el encuentro Integraciones III de noviembre de 2013 en Lima. El álbum parte con la melancolía etérea de "El secreto está en la miel / Traición 73", sentando lentamente una hermosa atmósfera meditativa que, sin dejar de lado la vocación experimental de la banda, se enmarca en su faceta más ambiental. La timidez y delicadeza de la primera pieza deviene progresivamente en un verdadero viaje introspectivo con "Los Músicos", en la que la percusión se lleva el protagonismo al darle una cierta estructura al ritual sónico de la banda, alimentando el cariz hipnótico tan característico de A Full Cosmic Sound, tras lo cual "El Vicioso" llega a poner el broche de oro. La primera parte de esta última canción recuerda al cripticismo del debut de la banda, pero de a poco va emergiendo una línea melódica que da cuenta de la sensibilidad musical que siempre asoma, de algún u otro modo, en los trabajos de AFCS, y que sin perder intensidad, da matices de una melancolía feliz que pone de relieve el esplendor de su sonido. Tal vez, en ese sentido, la crítica que se puede hacer en el cierre del álbum es el abuso de "West Coast" y "OK" (se entiende al escucharlo), que tienden a romper el trance meditativo que se ha conseguido a lo largo del disco. Pero pasando por alto ese detalle (es un detalle, a fin de cuentas), Live en Perú 2013 es fiel reflejo del estilo genuino de A Full Cosmic Sound y de la belleza sónica que en el se esconde. -IMF

Caudal | 2014 | Ascension

Kraut | Post-Rock
Info | Compra | Escucha
Enlace | mp3 | 320 Kbps

Aidan Baker (guitarra), Gareth Sweeney (bajo) y Felipe Salazar (batería)
El segundo álbum de Caudal sigue la lógica de Forever in Another World, su predecesor, pero la encamina a una mayor libertad sonora, lo que queda de manifiesto en un detalle tan simple como la duración de las canciones. En efecto, el trío compuesto por Aidan Baker, Gareth Sweeney y Felipe Salazar toma el post-rock emotivo y solemne de su debut y lo nutre de un espíritu kraut y espacial en que rige lo hipnótico y el desarrollo paulatino y sutil de las atmósferas tan sensibles que caracterizaron a Forever in Another World, pero desde una aproximación más experimental. Y este proceso de liberación fue el paso perfecto a seguir tras un álbum tan bien logrado como ése. El trío suena más afiatado, sin la cohibición que en el predecesor se traducía, a ratos, en un sonido más bien tímido. Si en Forever in Another World se alcanzaba prístinamente la sensibilidad tan humana de los mejores discos de Aidan Baker como solista, en Ascension esta honestidad asoma ya sin ningún tapujo gracias a la naturalidad con que surge cada pieza, lo que queda patente particularmente en "Slow Bow", una canción tan hermosa como para llorar.
Caudal es una banda que ha conseguido en sólo dos discos crear un lenguaje propio en que cada instrumento forma parte de un diálogo perfecto, en que nada sobra y nada hace falta, y en el que destacan, sobre todo, la delicadeza y solemnidad del sonido. Uno de los discos de 2014, sin duda alguna. -IMF

Lightning Bolt | 2015 | Fantasy Empire

Noise Rock
Info | Compra | Escucha
Enlace | mp3 | 160 Kbps

Brian Chippendale (batería y voz) y Brian Gibson (bajo)
No hay mucho nuevo que agregar sobre el sonido de Lightning Bolt. Desde sus primeros lanzamientos, el dúo dejó patente un estilo característico que hasta el día de hoy no tiene símil. En este sentido, Fantasy Empire no es un disco que busque desarrollar una fórmula distinta, lo que no quiere decir que sea "otro disco más de Lightning Bolt". Sí, de seguro podemos decir que el dúo no está buscando nuevos horizontes para su ruidosa y minimalista alquimia sónica, pero al mismo tiempo es claro que están desarrollando nuevas formas de transmitir su receta. Y ahí es donde Fantasy Empire brilla.
Por un lado, es el primer álbum de la banda grabado en un estudio propiamente tal y la diferencia en la calidad del sonido, aunque no es abismal, se nota. Esto no quiere decir que el espíritu tradicionalmente lo-fi de las grabaciones del dúo no funcionara; más bien, apunto al hecho de que darle un giro a su trayectoria es un paso interesante para Lightning Bolt y les permite, con la misma fórmula, alcanzar matices que antes quedaban fuera de escena.
Por otra parte, el espíritu de Lightning Bolt refleja mayor madurez, lo cual no es sinónimo de un sonido más pausado o predecible, sino de una exploración más sabia de las herramientas de las que el dúo dispone. Además, por momentos la banda adopta una melancolía que se adopta asombrosamente bien a su sonido, que no pierde la intensidad de siempre. Instrumentalmente los Brians están en su mejor forma, en especial Chippendale, que sorprende, sobre todo, en "Snow White (& the 7 Dwarves Fans)", el tema que cierra el disco. Han aprendido a reconocer cuándo matizar la energía y cuándo explotar, y en Fantasy Empire hacen un uso idóneo de este nuevo conocimiento.
En suma, es un regreso perfecto, lo suficientemente innovador para sonar frescos y demostrar que Lightning Bolt tiene cartas bajo la manga de las que valerse. Excelente álbum. -IMF

La STPO | 2006 | Tranches de temps jeté

Avant-Prog
Info | Compra | Escucha
Enlace | mp3 | 192 Kbps

Jim B (guitarra, voz y otros), Patrice Babin (batería, percusiones y voz), Benoit Delaune (bajo, cello y voz), Christophe Gautheur (saxofón, sintetizador y voz), Pascal Godjikian (voz y didgeridoo) e invitados
La STPO es una banda difícil de reseñar. El camino fácil sería decir que su sonido es extraño, experimental y vanguardista. Pero eso sería contar sólo una parte de la historia. Porque sí, efectivamente la banda no es fácil, su música es oscura y críptica, pero hay mucho más allá de eso, y ahí es cuando transcribir en palabras se vuelve una tarea más desafiante.
Tranches de temps jeté da buena cuenta de, por un lado, esa vocación avant-prog de La STPO, con el espíritu ecléctico y casi esquizofrénico que caracteriza el material de los franceses. Pero también, de un modo más sutil, está lleno de una teatralidad y una solemnidad emotiva admirables. El álbum tiene un hermoso cariz introspectivo, y tanto la prodigiosa sección instrumental de la banda como la voz febril y llena de feeling de Pascal Godjikian contribuyen a construir esta atmósfera que, aunque oscura, está llena de colores.
No es fácil encontrar símiles en su sonido, pero tal vez una referencia razonable sea Un Festín Sagital (de hecho, algunos pasajes de "The Sound of the City Seems Not to Dissapear", el quinto tema del disco, me recordaron por momentos a "La Muerte Loca (Tango Fallido)", de Las Bestias Solares). Y al igual que los chilenos, La STPO logran crear, en base a sus intrincadas pero catárticas disonancias, paisajes sonoros honestos y humanos. Tranches de temps jeté es un disco que cambia con cada escucha, que siempre desenfunda nuevos detalles y prende luces nuevas en lugares que antes estaban a oscuras. Para mí, un imperdible. -IMF

A Full Cosmic Sound | 2014 | El Secreto Está en la Miel

Experimental | Drone | Ambient
Info | Compra | Escucha
Enlace | mp3 | 320 Kbps
El Secreto Está en la Miel muestra la parte más ambiental del sonido de A Full Cosmic Sound, como lo evidencia desde un principio "Traición 73", el lado A de este 7", que si bien está en línea con lo mostrado por la banda en, por ejemplo, su debut homónimo, tiene una vocación menos electrónica y más volátil que dicho álbum. Por su parte, "El Secreto Está en la Miel", el lado B que le da el nombre al single, se lanza de lleno a una experimentación drone/ambient, con una versión de la canción aun más etérea que la contenida en uno de los splits de AFCS con The Mugris. Tal vez, en este sentido, el single adolece de algo evidente: ser demasiado corto. El ambient toma su tiempo en desarrollarse, y por lo tanto este posiblemente no sea el formato más indicado para el material de A Full Cosmic Sound. Pero más allá de eso, El Secreto Está en la Miel constituye otro excelente lanzamiento del colectivo chileno. -IMF

A Full Cosmic Sound | 2011 | A Full Cosmic Sound

Exp | Psych | Drone
Info | Compra | Escucha
Enlace | mp3 | V0
El primer disco de A Full Cosmic Sound constituye un ritual experimental que logra sonar, al mismo tiempo, etéreo, críptico e hipnótico. Es difícil de clasificar en géneros específicos, pero creo que esa es precisamente la idea.
La banda fusiona sus influencias en una suerte de drone rock espacial que en su desarrollo sencillo introduce una sensibilidad melódica sutil, pero honesta y emotiva. Pese que la música que lo compone está fuertemente basada en instrumentos electrónicos (incluyendo, por ejemplo, las percusiones), el debut homónimo de AFCS suena orgánico y humano, y en sólo cinco piezas da cuenta del potencial creador que desde un inicio mostró la banda. -IMF

Earth | 2008 | The Bees Made Honey in the Lion's Skull

Experimental Rock | Post-Rock
Info | Compra | Escucha
Enlace | mp3 | 320 Kbps

Dylan Carlson (guitarra), Adrienne Davies (batería y percusión), Steve Moore (piano, órgano y piano eléctrico), Don McGreevy (bajo y contrabajo)
Espero haber escogido bien el disco que les dejo para debutar. No creo ser muy bueno al momento de escribir, mucho menos haciendo reseñas de discos. Decidí subir mi disco favorito de Earth a modo de homenaje para el mismo blog. En lo personal, el anzuelo para llegar aquí fue su carátula y terminó de hacer su acto de magia hasta el acto final.
Otra cosa, la edición en vinilo (que no tengo) trae un bonus track que incluí, cortesía de algún torrent perdido y dejándome en evidencia como un leecher silencioso. Disfruten este disco nota a nota y si quieren, compartan sus opiniones y canciones favoritas.
"From strenght sweetness, from darkness light. The bees made honey in the lion's skull". Gracias por leer. -JSM

Ya con el etéreo y atmosférico HEX de 2005 iba quedando claro que Earth estaba dándole un nuevo giro a su estilo, dándole un toque más ambiental y pausado a su tradicional drone doom. En The Bees Made Honey... la transición quedaba más en evidencia: la banda empezó a sonar más a post-rock y a incorporar ciertas influencias de americana en sus composiciones. Y lo hermoso y melódico del disco hacen que realmente sorprenda lo bien logrado que fue el cambio en su sonido. The Bees Made Honey... le dio nueva vida a la banda de Dylan Carlson y se consagró, de paso, como uno de los mejores álbumes de su discografía. -IMF

Stereolab | 1993 | Transient Random-Noise Bursts With Announcements

Krautrock | Art Pop | Post-Rock
Info | Compra | Escucha
Enlace | mp3 | V0 (rip propio)

Laetitia Sadier (voz, órgano y otros), Mary Hansen (voz, pandereta, guitarra), Tim Gane (guitarra, órgano y otros), Sean O'Hagan (órgano, Farfisa, guitarra), Duncan Brown (bajo, guitarra, voces) y Andy Ramsay (percusión, órgano, buzuki)
Transient Random-Noise Bursts With Announcements es un disco que conjuga una sensibilidad casi decididamente pop con la volatilidad hipnótica del krautrock. Sin vacilación, Stereolab pasan de sencillas melodías indie como "I'm Going Out Of My Way" ─que, por cierto, no dejan de lado las influencias alemanas─ a épicos delirios motorik como "Golden Ball" o "Jenny Ondioline". En suma, toda esta variedad multiforme de melodías melosas pero profundas constituye un álbum poderoso, hermoso y delicadamente lisérgico, en que la dulce voz de Laetitia Sadier construye un trance alimentado por sintetizadores perfectos, baterías espaciales y una vocación evidentemente (pero sutilmente) experimental. En otras palabras, forman un álbum que le da nueva vida al krautrock sin venderlo a un sonido comercial, pero nutriéndolo de una sensibilidad soñadora y armoniosa. -IMF