Föllakzoid | 2023 | V

Minimal Techno | Space Rock
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Dominga Huidobro (instrumentos), Matías Acuña (batería) y Atom™ (producción)

En V, Föllakzoid persiste en el devenir que había marcado con claridad en su disco anterior, I (2019), caracterizado por un sonido abierta y decididamente electrónico, que contrastaba con la vocación sonora de los primeros tres álbumes de la banda, más cercanos al space rock y al krautrock. Aunque no tengo problemas con la transformación del espíritu de Föllakzoid, personalmente me pareció en su momento que I era un trabajo flojo, que sacrificaba la organicidad del sonido de la banda —que había alcanzado plena madurez en el excelente III (2015)— sin ofrecer mucho a cambio. De cierta forma, I deconstruyó el sonido del proyecto, dejando sus atmósferas desnudas, pero esa desnudez significó a su vez una desprovisión: la falta de una dirección clara, la falta de ideas suficientemente trabajadas.

Como decía, V retoma ese mismo sendero, pero pienso que aquí el resultado es otro. En pocas palabras, V es el disco que I quiso ser, pero que no alcanzó a ser. Y Dominga —quien es actualmente la única integrante fija de la banda— lo consigue sin renunciar a la nueva sonoridad que ha adoptado en Föllakzoid, dando cuenta aquí de una visión muy clara sobre la dirección del proyecto, que suena con mayor determinación, con más ideas y con un ímpetu que en I parecía latente, pero dormido, en último término. Aquí las atmósferas atrapan, envuelven y evolucionan subrepticiamente. Sin duda, la contribución de Atom™ también debe ser puesta en valor, pues el alemán fue quien disecó y ensambló el álbum a partir de los registros instrumentales de Dominga y el baterista Matías Acuña (Tenemos Explosivos, Slowkiss).

Föllakzoid recobra en V los bríos que había extraviado, adquiriendo para ello la forma de un trance hipnótico y cautivante, de temple nocturno, misterioso, psicodélico a su manera. Sin renunciar al techno minimalista que venía desarrollando, Föllakzoid le insufla su sello propio a esta veta sonora y urde aquí uno de los puntos más altos de su discografía. -IMF

Agitation Free | 2023 | Momentum

Progressive Rock | AOR

Lutz Graf-Ulbrich (guitarra, banjo y guitarra acústica), Gustl Lütjens (guitarra, guitarra acústica y voz), Michael Hoenig (teclados, sintetizador y batería electrónica), Daniel Cordes (bajo y sintetizador) y Burghard Rausch (batería)

A estas alturas, tras casi 25 años desde la publicación de su último álbum de estudio (el excelente River of Return, de 1999), había perdido toda fe en que Agitation Free pudiera reunirse para grabar nuevo material. ¿Con varios de sus integrantes de antaño, además? Imposible. Así que cuando me enteré de la publicación de Momentum, no me lo pude creer. Pero así es: Agitation Free volvió a reunirse y grabó este nuevo disco, cuya alineación cuenta con Lutz Graf-Ulbrich a la cabeza y los miembros históricos Michael Hoenig, Burghard Rausch y Gustl Lutjens, a quienes se suma Daniel Cordes, en reemplazo del fallecido Michael Günther. Cabe recordar que Lutjens falleció en 2017, por lo que imagino que al menos parte del material que aquí se presenta fue grabado ya hace varios años.

Aunque la emoción que sentí ante la posibilidad de escuchar algo nuevo de Agitation Free presagiaba un sesgo positivo frente a Momentum, fuera cual fuera el resultado, lo cierto es que recibí un rápido golpe de realidad al oírlo. Y no me vayan a malinterpretar; me encanta cuando las bandas clásicas se dan el gusto de experimentar. El propio River of Return había marcado ya un giro con respecto al material setentero de la banda, con una producción más pulida y un sonido en general menos psicodélico y decididamente más estructurado. Pero, en ese caso, se percibía en la renovación del sonido de los alemanes un componente orgánico que reflejaba que seguía siendo un ejercicio de creación colectiva orientada por melodías bien pensadas que calaban hondo. La magia de Agitation Free seguía ahí, sólo que se expresaba en otro código. 

En alguna medida, Momentum retoma ese código (o intenta hacerlo), pero suena desinspirado, como si la banda no tuviera dirección y estuviera funcionando en piloto automático. Tampoco ayudan algunas muy malas decisiones que se tomaron aquí: abrir el disco con una canción que suena a introducción, pero que dura casi 9 minutos (tendiendo, además, a una vanagloria irritante, gracias a un sample innecesario hablando sobre la banda); el uso, en buena parte del disco, de una batería electrónica que suena espantosa; y una extensión demasiado larga (casi una hora) para un material que en mayor parte no va a ningún lado. 

De seguro hay aquí algunos rincones del espíritu de antaño, pero se ven completamente opacados por el eco de un par de preguntas que resuena en todo el disco: ¿Para qué? ¿A dónde van con esto? ¿Valía la pena? Supongo que mi fanatismo absoluto por esta banda hace inevitable que pese a todo esto valore la publicación de Momentum, pero hasta para mí es claro que sólo volvería a escucharlo por ese fanatismo ciego (y sordo, en este caso). -IMF

Caudal | 2016 | Let's All Take the Yellow Pills

Space | Post-Rock
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Aidan Baker (guitarra), Gareth Sweeney (bajo) y Felipe Salazar (batería)

Tras el giro inesperado que el EP Murk significó en la discografía de Caudal, cabía preguntarse cuál sería el siguiente paso del trío berlinés. Y es que en dicho trabajo, lanzado el año pasado, la banda se aventuró en terrenos más lúgubres que los de sus álbumes previos, Forever in Another World y Ascension, que estaban teñidos de atmósferas espaciales y un espíritu kraut innegable. Así, si en estos últimos el sonido de Caudal se aproximaba a NEU!, Agitation Free o incluso a Ataxia, el cripticismo de Murk evocaba por momentos al trabajo de Aidan Baker en Nadja.

Let's All Take the Yellow Pills –pronto a ser publicado por Calostro Recordings– disipa las interrogantes sin ambigüedad. Volviendo al post-rock espacial e hipnótico de antes, Caudal parecen haber retomado decididamente el camino del que se habían bifurcado por un instante para experimentar con otras fórmulas. De este modo, la banda emprende sin dubitación una travesía por tres piezas que confirman que Baker, Sweeney y Salazar hablan un lenguaje en común; uno que, por cierto, goza de una originalidad admirable que saltaba ya a la luz en sus lanzamientos previos. Las atmósferas de Let's All Take... se entretejen con paciencia a base de un desarrollo instrumental sutil y siempre regocijador que paulatinamente da forma a paisajes sonoros delicados y ensoñadores que atrapan al oyente en un viaje introspectivo para el que la pulcra honestidad del sonido de Caudal constituye la banda sonora ideal. Otro excelente lanzamiento del trío plurinacional. -IMF

El diAblo es un magnífico | 2013 | El diAblo es un magnífico

Experimental | Post-Rock
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Cristian Sánchez, Daniel Llermaly y Cristóbal Cornejo

Esta banda chilena lleva más de diez años en el ruedo, pero en su último disco se ha reinventado como nunca antes, dejando atrás un particular –pero más cerrado– post-rock/post-hardcore, para, en esta nueva entrega, aventurarse en un sonido más ecléctico, pero sin perder identidad y cohesión. Aunque este disco homónimo fue grabado el 2013 y editado en CDr/digipack en 2014, no es sino este año cuando Volante Discos lo lanza en formato casete.
Una de las razones naturales de la reinvención del sonido de diAblo –retomando ahora su nombre original, El diAblo es un magnífico, en referencia al mensaje satánico oculto en las cintas de Xuxa– es el cambio de alineación, que de ser un quinteto, derivó a un trío compuesto por Cristian Sánchez (miembro original), Daniel Llermaly (La Golden Acapulco) y el recientemente difunto Cristóbal Cornejo –está de más decir que esta revisión está dedicada a su memoria. Si bien en sus placas anteriores (Seiseiseis, Coma, La ruta nos aportó otro paso natural, etc.) diAblo siempre cultivó un post-rock de vena experimental, algo encasillable, pero no falto de identidad, en este disco vuelven, de algún modo, a sus raíces más caóticas (Proyecto Cajas), y entregan un sonido de influencias más variadas, lejos de ser encasillable en un género particular; más bien, la banda desarrolla un estilo propio que juega con diversas influencias y ánimos.
Así, todo parte con "Chamico (Nazi Folk Fuck Off)", tema de ritmos afro-latinos que de cierta forma revelan influencias de The Ex, pero sin caer en la imitación grosera. Este tema es, sin duda, lo más accesible del disco, que después deriva, sin perder melodía, a sonidos más minimalistas y de una notable dinámica natural. "Navidad y Matanza" (que también es el nombre del proyecto personal de Cristian Sánchez) es un preferido personal, pues con instrumentación de folclore nortino, entrega un melancólico híbrido folk-sónico, que de inmediato le da profundidad y emotividad al viaje, a la vez que sencillez y corazón (desde Julio que diAblo no componían algo que llegara a los huesos). El viaje sigue con "Asunción y Caída de las Ruinas Suspendidas", canción que empieza con un sonido emparentable a los trabajos anteriores de diAblo, pues al igual que “Chamico”, tiene elementos post-rock; sin embargo, con el paso de los minutos, explota en un rugido de guitarras distorsionadas, un riff sludge rodeado de guitarras más atmosféricas y jugueteos sónicos. "Polen", de ánimo mas apacible y luminoso, son cinco minutos de guitarras acústicas vestidas con electrónica espacial. Por su parte, "Chivito Negro de Cinco Patas" es una entrega energética, en la que unas baterías danzantes (de nuevo con una vena etno-punk à la The Ex) dan base a juguetones ruidos espaciales y contrastan con un bajo drone –algo de krautrock en la línea de NEU! también es referente, sin duda. Luego, de manera natural pero sorpresiva, el chivito de cinco patas se deja rastas y nos lleva a terrenos dub (estilo venerado por La Golden Acapulco), de donde –también de forma natural y sorpresiva– llegamos a una explosión hardcore, que desaparece en un drone ambiental. El último tema del disco, "Curanderos Filipinos", es un ameno e hipnótico respiro de poco más de un minuto, en el que un ritmo nortino (?) es bañado con grabaciones de campo y vientos exóticos (algo así como una zampoña).
Sin duda es mi álbum favorito de diAblo (con Proyecto Cajas), y de alguna manera uno de mis discos favoritos grabados en Chile, no sólo por la simpatía anímica que tengo con sus sonidos, sino también por las "decisiones" sónico-musicales a la vez jugadas y naturales que atraviesan esta placa y la convierten en una pieza única, con referentes vagos y estilo propio, lo que transmite honestidad y sencillez. -Michel Leroy

Cluster | 2016 | Konzerte 1972/1977

Experimental | Drone | Ambient
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No cabe duda de que gran parte del interés en torno al box set 1971-1981, lanzado recientemente por Bureau B, se cierne sobre Konzerte 1972/1977, el noveno disco de esta colección, constituido por grabaciones inéditas de Cluster en vivo. En particular, el álbum contiene dos pistas: una grabada en 1972 en Hamburgo, Alemania, y la otra en 1977 en Metz, Francia.

Para quien se guíe por la discografía de estudio del dúo alemán, puede resultar extraño el hecho de que el sonido de Cluster en ambas pistas sea tan similar. En 1972 la banda lanzó Cluster II, por lo que, si bien dicho álbum ya incorporaba elementos más melódicos que Cluster 71, no sorprende la aproximación tan experimental que queda de manifiesto en "Fabrik, Hamburg 1972". En contraste, hacia 1977 Cluster había publicado ya Zuckerzeit –que marcó un antes y un después en su discografía, con un sonido marcadamente más melódico que sus predecesores–, Sowiesoso y Cluster & Eno –álbumes que, aunque con una vocación más ambiental, persistieron en esa ruta–, de modo que "Festival International de la Science-Fiction, Metz 1977" puede resultar sorprendente.

Sin embargo, en primer lugar, los múltiples álbumes en vivo del dúo berlinés –Live in Vienna (curiosamente omitido en esta colección), Japan 1996 Live, First Encounter Tour 1996 y Berlin 07– ya daban cuenta de que el trabajo de Cluster en vivo siguió una senda propia, paralela a sus esfuerzos en el estudio. Y de hecho, si hay algo que caracteriza a esos registros en vivo, es, precisamente, su espíritu unívocamente experimental. En segundo término, y matizando lo anterior, a lo largo de la trayectoria de la banda ese cariz exploratorio presentó una evolución notoria, que se hace patente en las dos piezas que componen Konzerte 1972/1977. Así, si en Hamburgo las divagaciones sónicas eran más erráticas y multiformes, en Metz Roedelius y Moebius (QEPD) ya tenían un lenguaje propio, una telepatía sin igual que les permitía construir de manera mucho más concienzuda y paciente las atmósferas hipnóticas y meditativas tan propias del sonido de Cluster.

Más allá de su valor de colección, Konzerte 1972/1977 es un álbum que, como gran parte de la discografía de Cluster, esconde en su cripticismo un valor artístico que no salta a la vista de buenas a primeras, pero que indudablemente está ahí. La sensibilidad sonora y la creatividad inextinguible de la sociedad de Roedelius y Moebius son tan nítidos aquí como en cualquier punto de su vasta trayectoria, y registros como este no hacen más que confirmar en qué medida se ha subestimado el legado inconmensurable de Cluster, algo a lo que contribuyó la inalienable modestia de ambos músicos.

Cluster pudo haberse terminado, pero ese espíritu creativo, esa alma exuberante de emotividad y honestidad arde viva como nunca en la música que el dúo creó en sus casi cuatro décadas de alquimia sonora, y Konzerte 1972/1977 es otro recordatorio de eso. -IMF

NEU! | 1975 | NEU! '75

Krautrock
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Michael Rother (guitarra, piano, voz, sintetizador y electronica), Klaus Dinger (guitarra, piano, voz, percusión y órgano), Thomas Dinger (batería), Hans Lampe (batería)

A fines de 1974 Michael Rother y Klaus Dinger ya no eran unos novatos. NEU! ya tenía a su haber dos discos imprescindibles (en el caso de Dinger se sumaba, además, su participación en el debut homónimo de Kraftwerk), tras lo cual el dúo se aventuró a tomar caminos divergentes por algunos años.

Rother huyó de la agitación de la vida urbana en Düsseldorf y se fue a vivir con Hans-Joachin Roedelius y Dieter Moebius (de Cluster) a una vieja casona rural. Con ellos formó Harmonia, cuyo debut, Musik von Harmonia, fue grabado durante el segundo semestre de 1973. El nuevo trío se caracterizaría por un sonido pastoril, sosegado y ensoñador, que le debía mucho al ambient de Cluster, pero sin dejar de lado la vocación melódica de Rother, que a su vez dejaría una huella en el dúo berlinés.

Por su parte, Klaus Dinger creó Dingerland, un sello musical a través del cual editó en 1973 el álbum debut de Lilac Angels, que él mismo había producido. Sin embargo, su emprendimiento resultó un desastre financiero, por lo que al poco tiempo –y ante la consternación de Dinger– Dingerland se vio obligado a cerrar. Tras ello, comenzaría a gestarse la idea de formar La Düsseldorf junto a su hermano Thomas y Hans Lampe, un técnico del estudio del legendario Conny Plank, quien había producido los dos primeros álbumes de NEU!.

Este era el contexto en el cual Michael Rother y Klaus Dinger volverían a reunirse: un Rother ensimismado en la apacible e introspectiva vida rural y un Dinger enrabiado con la industria musical y el elusivo éxito que tardaba en llegar. Y NEU! '75 sería precisamente el resultado de esa dicotomía. El dúo acordó dedicar una mitad del álbum a la visión de Rother, teñida de una búsqueda sonora más etérea y espiritual, y la otra a la visión de Dinger, efervescente de una energía a la vez creadora y destructiva, fruto de los altibajos que había tenido que enfrentar. El resultado de esta dinámica es uno de los discos más clásicos del krautrock, en que NEU! es capaz de reformular su sonido sin dejar atrás las lecciones aprendidas en NEU! y NEU! 2, pero a la vez introduciendo los nuevos lenguajes por los que abogaban, cada uno por su parte, Rother y Dinger.

"Isi" abre la primera mitad del álbum con la misma fórmula que "Hallogallo" y "Für Immer" habían aplicado en las placas que preceden a NEU! 75: un motorik hipnótico y dinámico, que esta vez, empero, aparece matizado por la mayor delicadeza sonora de la mano de Michael Rother. "Seeland" y "Leb' Wohl" llegan, entonces, para confirmar el nuevo espíritu, constituyendo, posiblemente, las dos canciones más hermosas y frágiles de la discografía de NEU!, con un cariz atmosférico y romántico à la Caspar David Friedrich, común en el trabajo solista de Rother. En contraste, "Hero" irrumpe sin contemplaciones en un proto-punk enérgico y a estas alturas ya legendario, con el sello innegable de un Klaus Dinger explosivo como de costumbre. En la misma línea le sigue "E-Musik", aunque con un sonido más cercano al habitual en NEU!, que da pie al cierre con "After Eight", que vuelve a embestir con un proto-punk electrizante y liberador. El broche de oro de una obra maestra innegable, de un álbum que cerraría la trilogía original de NEU! a la altura de sus esfuerzos previos y que garantarizaría la inmortalidad del dúo alemán, su vigencia hasta el día de hoy y una leyenda imborrable en la historia de la música. -IMF

Minami Deutsch | 2015 | Minami Deutsch

Psychedelic | Krautrock
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Kyotaro Miula (guitarra, voz y sintetizador), Tatsuhiko Rauschenberg (guitarra) y Takuya Nozaki (batería)

Anteriormente ya he aludido al gran año que 2015 significó para el krautrock. Pharaoh Overlord, Föllakzoid y Brainticket contribuyeron desde sus particulares flancos a esta estadística, con tres discos excelentes dentro del género. Pero faltaba comentar otro de los álbumes esenciales que 2015 dejó en su camino. Y es que el debut homónimo de los japoneses Minami Deutsch cuenta con méritos propios, porque si bien es evidente que la banda se nutre fuertemente de la herencia alemana (particularmente, del motorik de NEU!), no es menos claro cómo el legado psicodélico japonés entra en la ecuación también. En este sentido, difícilmente podrían eludirse referencias a Ghost, a Acid Mothers Temple o quizás incluso a Boredoms, más tangencialmente, aunque decir que el trío sólo juega a la mera imitación sería un error. El encanto de Minami Deutsch no reside sólo en una receta entretenida para los fanáticos de las escuelas alemana y japonesa, sino también en cómo el álbum se sostiene por sí solo más allá de las citas. En efecto, este disco es un viaje en sí mismo, un trance basado en ritmos hipnóticos y repetición bien hecha, en mantras inteligibles que alimentan el espíritu psicodélico de cada canción y que le dan al álbum un cariz a la vez críptico y cautivante.
En suma, era imposible hablar del verdadero renacimiento del kraut y la psicodelia en 2015 sin hacer mención de un álbum como Minami Deutsch, que además cuenta con el mérito de ser la ópera prima del trío japonés. Es de esperar que la llama no se extinga, ni para Minami Deutsch ni para esta nueva camada psicodélica que plagó de buenos lanzamientos el año pasado. -IMF

Popol Vuh | 1976 | Letzte Tage-Letzte Nächte

Krautrock

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Florian Fricke (piano), Daniel Fichelscher (guitarra y percusión), Djong Yun (voz), Renate Knaup (voz), Al Gromer Khan (sitar) y Ted De Jong (tambura)

Letzte Tage-Letzte Nächte se distingue dentro de la discografía de Popol Vuh por dos motivos principales. En primer lugar, porque es un álbum con un espíritu que sin llegar a ser krautrockero de lleno, goza de un cariz decididamente más enérgico que discos como Hosianna Mantra o Aguirre, lo que se refleja sobre todo en la instrumentación. Y por otro lado, porque si bien mantiene la emotividad y el carácter meditativo que caracteriza el sonido de la banda ─esa solemnidad espiritual de siempre─, en esta ocasión toma una dirección algo menos melancólica y mucho más cálida y dulce, por momentos incluso alegre.
Letzte Tage-Letzte Nächte no es un disco especial por el solo hecho de ser distinto; lo es porque dentro del lenguaje particular que desarrolla consigue construir atmósferas hermosísimas e introspectivas en su propia forma. La banda de Florian Fricke logró, con una naturalidad envidiable, armar un álbum sencillamente perfecto. -IMF

Pharaoh Overlord | 2015 | Circle

Space | Krautrock

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Jussi Lehtisalo, Janne Westerlund, Tomi Leppänen, Julius Jääskeläinen y Pekka Jääskeläinen

2015 está siendo un año dorado para el krautrock. Ya los discos de Brainticket, Föllakzoid y Damo Suzuki & Mugstar habían dado luces de que el asunto iba en serio, pero lo de Pharaoh Overlord con Circle es, sencillamente, de otro planeta. Desde el principio, con "Eläin Rientää Kotiin", uno queda atrapado en el sonido hipnótico que caracteriza al trabajo de los finlandeses, pero que esta ocasión toma un lenguaje más cercano al de Circle ─proyecto hermano de Pharaoh Overlord─, que es lo que justifica, según la propia banda, el nombre del álbum.
No hay puntos bajos, y cada canción aporta desde su propio flanco a la construcción de una atmósfera espacial, a veces valiéndose del motorik ("Eläin Rientää Kotiin"), tomando ritmos más calmos ("Tarkennus") o apelando al sonido más tradicional de Pharaoh Overlord ("Ystävinä ja Pariskuntina"). Todo en Circle lo hace un álbum dinámico y entretenido, ecléctico en la medida justa, manteniendo siempre un mismo idioma. Por todo lo anterior, Circle es, para mí, uno de los mejores discos de krautrock del último tiempo y, sin duda, otro paso adelante en un año que ya a estas alturas ha entregado un montón de excelente nueva música. Increíble. -IMF

Brainticket | 2015 | Past, Present & Future

Progressive | Krautrock

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Joel Vandroogenbroeck (órgano, piano, sintetizador, sitar y flauta), Kephera Moon (sintetizador y voz), Kyrsten Bean (voz y guitarra), Nicky Garratt (guitarra), Bryce Shelton (bajo) y Jason Willer (batería y percusión)

La sorpresa de Past, Present & Future es doble. Por una parte, por el simple hecho de que Brainticket haya grabado un nuevo disco después de 15 años de sequía discográfica ─la segunda pausa más larga de su carrera, luego de la de 18 años entre Voyage y Alchemic Universe─, considerando además que Joel Vandroogenbroeck, el líder y único miembro original de la banda, tiene ya 77 años.

Por otro lado, el álbum también constituye una sorpresa porque después del desconcertante ─no hay otra forma de definirlo─ Alchemic Universe (un trabajo casi techno grabado prácticamente como un disco solista de Vandroogenbroeck) y del anuncio de que la banda sería reformada con miembros de U.K. Subs y Die Krupps, las expectativas eran bajas. Y bueno, con Past, Present & Future la banda supo no sólo superar esas expectativas, sino que además dejar la vara alta.

Sin un atisbo de ejercicio de nostalgia, recuperaron la psicodelia y el groove del clásico Cottonwoodhill y lo nutrieron a la perfección con el espíritu más críptico e introspectivo de Psychonaut o Celestial Ocean. Y el resultado suena fresco, en ningún minuto forzado y siempre a la altura del mejor material de la banda europea. La segunda sorpresa es, en resumen, el hecho de que a esta altura del partido Brainticket saque uno de sus mejores discos a la fecha, precisamente en el momento en que los antecedentes no eran los mejores. El krautrock está adquiriendo nueva vida en 2015 y Past, Present & Future es uno de los protagonistas indiscutibles de este nuevo respiro. -IMF

Föllakzoid | 2015 | III

Space | Krautrock

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Diego Lorca, Domingo García-Huidobro, Juan Pablo Rodríguez y Atom™ (sintetizador)

En III Föllakzoid dieron el paso preciso en su trayectoria. Se desligaron de la mecánica kraut-motorik a la que se habían acostumbrado demasiado -a veces a costa de sonar forzados- y atreviéndose a cambiar su sonido, se aventuraron libremente hacia una psicodelia sin cánones y sin formas definidas. Y lo que lograron es difícil de transmitir en palabras. Sí, sigue siendo cósmico y espacial, pero el lenguaje claramente dejó de ser kraut o, incluso, de ser rock. Es hipnótico y meditativo en un sentido primario, casi como un mantra o la música tribal, y extrañamente -y tal vez por el mismo motivo- en su minimalismo monolítico también tiene algo de electronica, de microhouse. Es un verdadero ritual sónico que conjuga esta vocación por la construcción en base a la repetición con una emotividad increíble en su sonido, una sensibilidad musical hermosa que destaca, sobre todo, en la segunda mitad del disco.

Las atmósferas que se logran en cada canción con el paulatino y sutil desarrollo sobre las sencillas líneas melódicas iniciales son bellísimas, delicadas y, a la vez, de una psicodelia pura, liberada de cualquier clave estilística en particular, lo que nutre a su sonido de una honestidad y una humanidad inéditas en la discografía de Föllakzoid. En este sentido, más que ser un factor negativo, la larga extensión de las canciones es un componente que la banda usa a su favor con genialidad, al contribuir a que el momentum no se pierda en ningún momento del álbum. Y por lo mismo, III no necesita más que cuatro piezas para ser perfecto.

Hasta ahora III es, por lejos, el mejor álbum del año, y lo atractivo de su sonido y los nuevos colores que surgen en él en cada escucha me hacen pensar que conservará ese sitial. Aunque la reciente escena neo-psicodélica chilena adolece de una falta de discurso crítica en un país como Chile, álbumes como III dan cuenta de que la profundidad ha encontrado otras vías por las cuales expresarse y que, a fin de cuentas, también puede haber esperanza en estos nuevos sonidos. Con discos tan perfectos como este, cabe esa esperanza. -IMF

Caudal | 2014 | Ascension

Kraut | Post-Rock

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Aidan Baker (guitarra), Gareth Sweeney (bajo) y Felipe Salazar (batería)

El segundo álbum de Caudal sigue la lógica de Forever in Another World, su predecesor, pero la encamina a una mayor libertad sonora, lo que queda de manifiesto en un detalle tan simple como la duración de las canciones. En efecto, el trío compuesto por Aidan Baker, Gareth Sweeney y Felipe Salazar toma el post-rock emotivo y solemne de su debut y lo nutre de un espíritu kraut y espacial en que rige lo hipnótico y el desarrollo paulatino y sutil de las atmósferas tan sensibles que caracterizaron a Forever in Another World, pero desde una aproximación más experimental. Y este proceso de liberación fue el paso perfecto a seguir tras un álbum tan bien logrado como ése. El trío suena más afiatado, sin la cohibición que en el predecesor se traducía, a ratos, en un sonido más bien tímido. Si en Forever in Another World se alcanzaba prístinamente la sensibilidad tan humana de los mejores discos de Aidan Baker como solista, en Ascension esta honestidad asoma ya sin ningún tapujo gracias a la naturalidad con que surge cada pieza, lo que queda patente particularmente en "Slow Bow", una canción tan hermosa como para llorar.
Caudal es una banda que ha conseguido en sólo dos discos crear un lenguaje propio en que cada instrumento forma parte de un diálogo perfecto, en que nada sobra y nada hace falta, y en el que destacan, sobre todo, la delicadeza y solemnidad del sonido. Uno de los discos de 2014, sin duda alguna. -IMF

Damo Suzuki & Mugstar | 2015 | Start From Zero

Psychedelic | Krautrock

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Damo Suzuki (voz), Neil Murphy (guitarra), Peter Smyth (guitarra y teclado), Jason Stöll (bajo) y Steve Ashton (batería)

Muy posiblemente, las expectativas frente a Start From Zero en general se ciernen sobre la aparición del legendario Damo Suzuki. Es que la entrega del japonés en vivo está a la altura de su legado como vocalista de Can; es energía pura y feeling sin límites, una muestra idónea de qué es lo que debe ser la música en vivo. Sin embargo, en el álbum la propia participación de Damo llega a palidecer frente a la potencia kraut que desde el primer momento Mugstar logra construir en base a una impresionante solidez instrumental, desarrollando un flujo sónico intensísimo e imparable que no desluce en ningún momento. Sobre este trance hipnótico, Damo yergue el incansable mantra etéreo, siempre críptico, que lo ha caracterizado a lo largo de su larga trayectoria. Y el ritual no para, no decae en ningún momento, no pierde un ápice de energía; Start From Zero comienza de la nada, pero no tarda en edificar una muralla sónica impenetrable y monumental, que sólo vuelve a la nada cuando la banda deja de tocar.
Sé que 2015 está recién comenzando y que decir algo así puede resultar prematuro, pero ya me aventuro a sugerir que este será uno de los álbumes del año. -IMF

Stereolab | 1993 | Transient Random-Noise Bursts With Announcements

Krautrock | Art Pop | Post-Rock

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Laetitia Sadier (voz, órgano y otros), Mary Hansen (voz, pandereta, guitarra), Tim Gane (guitarra, órgano y otros), Sean O'Hagan (órgano, Farfisa, guitarra), Duncan Brown (bajo, guitarra, voces) y Andy Ramsay (percusión, órgano, buzuki)

Transient Random-Noise Bursts With Announcements es un disco que conjuga una sensibilidad casi decididamente pop con la volatilidad hipnótica del krautrock. Sin vacilación, Stereolab pasan de sencillas melodías indie como "I'm Going Out Of My Way" ─que, por cierto, no dejan de lado las influencias alemanas─ a épicos delirios motorik como "Golden Ball" o "Jenny Ondioline". En suma, toda esta variedad multiforme de melodías melosas pero profundas constituye un álbum poderoso, hermoso y delicadamente lisérgico, en que la dulce voz de Laetitia Sadier construye un trance alimentado por sintetizadores perfectos, baterías espaciales y una vocación evidentemente (pero sutilmente) experimental. En otras palabras, forman un álbum que le da nueva vida al krautrock sin venderlo a un sonido comercial, pero nutriéndolo de una sensibilidad soñadora y armoniosa. -IMF