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GRIN | 2024 | Hush

Sludge | Stoner Metal
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Tras la publicación del EP Black Nothingness en 2023, la banda alemana GRIN, conformada por Jan y Sabine Oberg, vuelve a la carga con Hush, su cuarto largaduración. Ciñéndose a la fórmula que han desplegado en sus trabajos previos, el dúo arremete aquí con un sonido monolítico e imparable, con el mismo peso del híbrido de sludge y stoner metal que les había caracterizado hasta ahora.
Quizá la mayor diferencia en Hush sea la adopción de un enfoque más directo en desarrollo de las ideas creativas de la dupla, como lo refleja la extensión de las canciones que componen el disco (2 minutos y medio, en promedio). Así, hay menos espacio para la veta más experimental de GRIN, pero sigue habiendo cabida para las atmósferas psicodélicas que le dan una densidad de base a su sonido, de modo que la banda conserva su identidad intacta. De hecho, esta aproximación más vehemente le ha proporcionado al dúo una asertividad y una intensidad que se habían extrañado en Phantom Knocks (2022), su álbum previo, que tendía a repetir sin novedades la mecánica del excelente Translucent Blades (2020) y que, por lo mismo, sonaba algo agotado. A la vez, el dúo compensa la menor duración de sus composiciones con un mayor número de canciones, con 16 nuevas piezas, en contraste con sus discos previos, que oscilaban entre seis y ocho canciones.
Eso, ciertamente, reviste un riesgo: ¿da para tanto el sonido de GRIN o, por el contrario, su magia se diluye? Afortunadamente, el largo repertorio que constituye Hush viene de la mano de una capacidad compositiva a la altura del desafío, evitando cualquier fatiga sónica y dando señales de la plena madurez de la banda. Las canciones fluyen entre sí como si se tratara de una única pieza cargada de un ímpetu demoledor e indomable, sin aflojar un segundo en su furia psicodélica. Otro gran trabajo de GRIN y un punto alto de su discografía. -IMF

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GRIN | 2020 | Translucent Blades

Sludge | Doom Metal
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Jan Oberg (batería, voz, guitarras adicionales, flauta irlandesa y paisajes sonoros) y Sabine Oberg (bajo)
La saturación de géneros como el stoner, el doom y el sludge metal resulta, a estas alturas, evidente para cualquiera. Han sido tan sobreexplotados que crear álbumes que realmente tengan algo interesante que mostrar en esta veta se vuelve un desafío hasta para los grandes nombres. Pero por lo mismo, toparse con discos como Translucent Blades se ha vuelto una grata sorpresa.
El segundo largaduración del dúo berlinés GRIN elude con genialidad dicha carestía creativa con un estilo que se apoya fundamentalmente en el formato bajo-batería y desarrollando un sonido cuyo peso recuerda mucho la visceralidad de Electric Wizard, pero con un lenguaje que se aproxima más al de bandas como YOB o Sleep e incorporando en ello ciertas evocaciones a Melvins (de hecho, "Helix", el primer tema del disco, recuerda mucho a "Night Goat" de los estadounidenses). El álbum –a ser publicado en enero por Crazysane Records– goza de un dinamismo y de un carácter propio que reflejan un admirable talento compositivo y una bella compenetración creativa entre Jan Oberg y Sabine Oberg, quienes conforman la banda. Así, en su escape de los lugares comunes en que ha recaído el género, Translucent Blades logra posicionarse como un trabajo cautivante y entretenido, sin puntos flojos que resalten, y que en su densidad extrañamente psicodélica hipnotiza y sacude al oyente una y otra vez. Hermosamente logrado. -IMF

Yagow | 2017 | Yagow

Neo-Psychedelia | Stoner Rock
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Jan Werner (voz, guitarra y drones), Axel Rothhaar (bajo), Marc Schönwald (batería y percusión) y Kai Peifer (bajo en "Non-Contractual")
El debut homónimo del trío alemán Yagow refleja un prodigioso derroche de energía psicodélica que configura un verdadero viaje cósmico. Con un sonido que podría recordar a Vago Sagrado o los momentos más volátiles de The Ganjas, o ser descrito como una versión más pesada de The Black Angels, la banda teutona se aproxima a una genial comunión entre la psicodelia más pura del pasado, el peso del stoner rock y una cierta sensibilidad sónica que sin duda le debe mucho al space rock y la neo-psicodelia.
Yagow se trata, entonces, de un álbum inmediatamente cautivante gracias a sus atmósferas espaciales que entraman un trance hipnónico y a un estilo que más que apelar a progresiones sónicas marcadas, recurre a mantras incesantes que terminan por atrapar al oyente. El mérito a su haber no es tanto la innovación como, más bien, una ejecución al punto y un uso idóneo del lenguaje que la banda desarrolla a partir de sonoridades que forman parte del quid de las nuevas camadas de la psicodelia. Y en ese esfuerzo musical, este primer lanzamiento constituye un álbum sólido y, por cierto, muy recomendable para los más acérrimos del género. -IMF

Electric Wizard | 2014 | Time to Die

Psychedelic | Stoner | Doom Metal
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Enlace | mp3 | 320 Kbps

Jus Oborn (voz, guitarra y bajo), Liz Buckingham (guitarra) y Mark Greening (batería y órgano)
Time to Die significó para Electric Wizard no sólo el (efímero) regreso de Mark Greening a la alineación de la banda, sino también el retorno a su sonido más pesado. En este sentido, recordemos que Witchcult Today y Black Masses habían reflejado una deriva sónica en que el stoner/doom psicodélico de los ingleses, prácticamente una marca registrada de su propiedad, fue suavizado en pos de un sonido más añejo y retro. Time to Die presenta, entonces, la irrupción de una renovada misantropía teñida por densidades psicodélicas e hipnóticas muy en línea con el camino que la banda de Dorset había venido trazando hasta We Live, de 2004.
Sin embargo, a diferencia de sus trabajos previos en esa veta, Time to Die es un álbum menos digerible y que requiere varias escuchas para revelar su valor, lo cual tiene que ver, sin duda, con su cariz eminentemente depresivo. En efecto, si en discos como Dopethrone la misantropía narcótica de Electric Wizard se traducía en un fervor destructivo (ver, por ejemplo, las letras de "Funeralopolis" o "We Hate You"), aquí se manifiesta en impulsos autodestructivos ("I wanna get high before I die, I wanna die...." canta Jus Oborn en "Incense for the Dead", o "I am nothing, I mean nothing" en "I am Nothing") que le exigen al oyente un cierto estado de ánimo para disfrutar verdaderamente el álbum.
Hecha esa salvedad, se trata de una placa poderosa cuyo sonido y trabajo compositivo dan cuenta de un necesario proceso de renovación de la energía de la banda, toda vez que sus últimos esfuerzos de estudio –en particular, el EP Legalise Drugs & Murder, de 2012– reflejaban un agotamiento crítico de la fórmula de los ingleses. Y posiblemente buena parte de esa nueva energía surgió del caos: la partida de Glenn Charman y Simon Poole y el turbulento retorno de Mark Greening. Las fuerzas corrosivas del conflicto en el seno de la banda –Greening se marcharía tras el lanzamiento de Time to Die– de seguro nutrieron el desgarrado proceso creativo detrás de este álbum y lo dotaron de una genialidad que hace más de un lustro no asomaba en Electric Wizard. Y ahora, a ver qué depara el futuro de "la banda más pesada del universo". -IMF

Electric Wizard | 2002 | Let Us Prey

Psychedelic | Stoner | Doom Metal
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Enlace | mp3 | 320 Kbps

Jus Oborn (guitarra y voz), Tim Bagshaw (bajo), Mark Greening (batería y piano) y Paul Sax (violín en "Night of the Shape")
En septiembre y octubre de 2001, Electric Wizard se enfrentó a un desafío no menor: grabar el sucesor de Dopethrone, para muchos, la obra maestra de la banda de Dorset y el álbum que, indudablemente, los consagró como "la banda más pesada de la historia". En efecto, Dopethrone marcó el hito de una fórmula que, en su transición desde el debut homónimo de la banda, había alcanzado su pináculo: un sonido en perfecto equilibrio entre psicodelia y densidad, y letras que rebosaban de misantropía y desprecio por un mundo miserable del que sólo cabe huir.
En este sentido, era ya evidente que no había más que hacer en ese mismo espectro, por lo que algo tendría que cambiar. Y aunque el cambio no es querido por los fanáticos conservadores y fundamentalistas, Electric Wizard osó dar ese paso al costado; ese "no" que se tradujo en un "a la mierda", en un giro en pos de mayor riesgo, en un sonido que ya no tenía que demostrar nada y que, experimental, emprendió el viaje a otra dimensión. Let Us Prey es eso: una declaración de principios, una aventura ya sin línea definitoria. Electric Wizard perdió fanáticos, pero en su liberación consiguió registrar uno de sus mejores discos. 
Como resulta palpable en su sonido, el cuarto largaduración de los ingleses convirtió la misantropía de antaño en esquizoide, la transformó en un estruendo furioso y, al mismo tiempo, en un despegue cósmico, en una alucinación desenfrenada, en una vociferación aletargada e incoherente de quien ya emprendió un viaje sin retorno. Y la sacudida fue tan fuerte que repercutió en los propios cimientos del entonces trío, como si no fuera posible tal ejercicio de descontrol sin perder los estribos del propio experimento. Tras una gira promocional por Norteamérica, Tim Bagshaw y Mark Greening dejarían la banda en 2003 y Electric Wizard emprendería nuevos rumbos, con Let Us Prey como testimonio indeleble de la vehemencia narcótica de esos últimos días. -IMF

Brant Bjork | 1999 | Jalamanta

Desert Rock
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Enlace | mp3 | 320 Kbps

Brant Bjork (voz, guitarra, bajo, percusión y batería), Mario Lalli (guitarra adicional, y voz en "Toot") y Gary Arce (guitarra adicional)
Considerando sus inicios en Kyuss y su ulterior participación en The Desert Sessions, Fu Manchu y Fatso Jetson, ya en 1999 en Brant Bjork se alzaba como uno de los personajes clave de la escena de Palm Desert y su nombre era –y sigue siendo– un sinónimo del stoner. Pero su membresía en otras bandas sería sólo un precedente de lo que se vendría: una carrera solista que le valdría un sitial propio en el género. Y Jalamanta no podía ser un mejor comienzo.
En la década de trayectoria que antecede a su debut solista, el trabajo de Bjork –concentrado primordialmente en la batería– se había caracterizado por una actitud punk en sincronía con sonoridades sabbáthicas e influencias psicodélicas. Pero en Jalamanta, junto con presentar su transición a otros instrumentos, el californiano  despojaría su sonido de todo exceso y lo dejaría reducido a su expresión más pura, a un estilo que evoca la vastedad y soledad del desierto y que se conjuga con una psicodelia sutil y en código propio. ¿El resultado? Uno de los álbumes más íntimos de la discografía de Brant Bjork, que sin dejar de lado momentos del rock distendido que también ha formado parte distintiva de su trabajo, se aventura en composiciones más tímidas e introvertidas, de espíritu vaporoso y cariz meditativo. Y en esta dicotomía –no siempre evidente– Bjork encontró el equilibrio perfecto, lo que convirtió a Jalamanta no sólo en una ópera prima envidiable, sino también en un clásico del género y en un álbum imprescindible para cualquier melómano subterráneo.  -IMF

Yajaira | 2014 | Antiguos Demonios

Stoner Rock
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Enlace | mp3 | 320 Kbps

Comegato Montenegro (bajo y voz), Samuel Maquieira (guitarra), Piri Latapiat (guitarra) y Christian MacDonald (batería)
Resulta evidente para cualquiera que esté familiarizado con el trabajo de Yajaira que el sonido de la banda post-reunión no retomó, precisamente, su estilo previo a la disolución. Como quedó de manifiesto en Vuelve a arder, el álbum que precedió a Antiguos Demonios, el reformado cuarteto se encaminó por una senda más oscura y cruda que el stoner de tintes psicodélicos que caracterizó la música de Yajaira antes de dividirse en 2006; un camino que evidenció, quizá, un mayor peso en la composición por parte de Comegato (aunque no se llegó al peso del sludge de Electrozombies, es inevitable no pensar en el trío en algunos pasajes de Vuelve a arder).
Sin embargo, con Antiguos Demonios, su nuevo EP, aparecen ciertas luces que sugieren que Yajaira está, lentamente, recuperando el sonido orgánico y volátil de su primera etapa, aunque sin olvidar las lecciones aprendidas en Vuelve a arder. Gracias a eso, la banda suena más afiatada, libre y dinámica que en dicho álbum. La nueva madurez de los capitalinos se está traduciendo no en un sonido predecible y automático, sino más bien en una capacidad de llevar a cabo una búsqueda musical en que la exploración de nuevos límites está asociada a un mejor proceso creativo, y no a un sonido forzado o añejo. Una muy buena sorpresa de Yajaira. -IMF