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Ela Suárez | 2024 | Por si me buscan

Ambient | Tape Music
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Por si me buscan es el lanzamiento más reciente de la música argentina Ela Suárez. Publicado por el sello barilochense Bruma del Sur, el EP está constituido por tres sencillas piezas de ambient atmosférico y meditativo. El material se caracteriza por la extrema delicadeza de su sonido, que se nutre del vocabulario del minimalismo y la tape music para desarrollar paisajes sonoros de extrema belleza, tendientes a una melancolía introspectiva sumamente cálida. Esta calidez emana directamente del carácter desprovisto y minimalista del EP, que lo dota de un cariz de intimidad acogedora, reforzada por un uso prolijo de la repetición en la creación de atmósferas etéreas e hipnóticas. Acompañados de un sentido experimental innegable y de una notable capacidad compositiva, estos elementos convergen en un sonido honesto y cautivante que vuelven a Por si me buscan en uno de los mejores lanzamientos en lo que va de 2024. -IMF

Aidan Baker | 2024 | Pithovirii

Ambient | Drone
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Antecedido por Januar (en colaboración con el también canadiense Stefan Christoff) y Everything Is Like Always Until It Is Not, Pithovirii es el tercer álbum de estudio de Aidan Baker en lo que va de 2024, que promete ser un año tan prolífico como lo fue 2023. Ya en estos tres lanzamientos es posible distinguir algo de la variedad del vasto catálogo discográfico de Baker. Allí donde Januar se encamina a sonoridades doctas, Everything Is Like Always... se inclina a la veta más post-rockera de su trabajo, conjugándola con elementos del drone. Por su parte, Pithovirii adopta el lenguaje más netamente ambiental del vocabulario del músico canadiense, que despliega aquí en dos prolongadas piezas, "Sibericum" y "Massiliensis", cada una de media hora de duración. Ambas entraman un único viaje sonoro en base a atmósferas meditativas, etéreas y algo sombrías, que van urdiendo paulatinamente un trance profundo y catártico.
En ese sentido, Pithovirii es tal vez uno de los trabajos más decididamente ambientales de Aidan Baker, optando por permanecer en un hipnotismo abstracto que no llega a corporeizarse en una forma definida. Y no es que necesite tomar forma; trabajos como este, en que Baker se permite la exploración sin norte, son muy bienvenidos en su discografía, sobre todo por la facilidad con que consigue desarrollar esta arista creativa y arribar a buen puerto. Pithovirii hilvana paisajes de una frialdad paradójicamente acogedora, con largos drones que con sutileza van atrapando al oyente en un viaje contemplativo y de honda belleza, y que le dan al álbum su cierre con el mismo cuidado, depositándonos delicadamente en el silencio final. Hermoso disco. -IMF

Lorena Álvarez & Alejandro Palacios | 2023 | Paisajes para torcer al reloj

Ambient | Electroacoustic
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Paisajes para torcer al reloj es el primer álbum en conjunto de Lorena Álvarez (Lorelei, Los Bárbara Blade) y Alejandro Palacios (Protistas). El disco comienza con la canción que le da su título, una pieza de 13 minutos construida a partir de un juego improvisacional en torno a una melodía central que se repite como un mantra. Lejos de resultar monótona, la dinámica lúdica mantiene viva la canción sin dificultad alguna, construyendo una atmósfera relajante e hipnótica, tendiente a un sopor dulzón que verdaderamente atrapa con facilidad, como abrazando al oyente y meciéndolo con una percusividad que el dúo consigue sin instrumentos propiamente percusivos. En cierta medida, esta primera pieza sienta las bases de cuál será la mecánica del resto del álbum, con ese espíritu onírico que va tomando distintas formas, pero conservando su dulzor y su ludismo, y sin caer en fórmulas.
Si "León vapor calcio" se vale de la introducción de grabaciones de campo para complementar el juego instrumental entre Álvarez y Palacios (por el título, probablemente sea un león lo que se escucha, aunque no resulta obvio), en "Suave dragón de lengua" el dúo opta por desmantelar su sonido y llevarlo a su expresión más minimalista, como queriendo darle al oyente ya un pequeño respiro tras 18 minutos de movimiento. "Dumdum" y "Circulo puntiagudo" persisten en ese esfuerzo, dando pasos decididos hacia un ambient disperso y abstracto, sin llegar a tomar alguna forma específica, consiguiendo, con ello, que la sensación de inmersión que tiñe todo el álbum permanezca intacta.
Por último, "Los dorados pantanos infinitos" cierra el disco de forma similar a como parte: una pieza extensa, también de carácter improvisacional y percusivo, con una especie de tictac de reloj al fondo, que parece querer recordarnos que la suspensión en el tiempo a la que delicadamente nos llevó el álbum está por finalizar. Paisajes para torcer al reloj conforma, en su conjunto, un viaje apaciguador y reconfortante, sin intenciones avasalladoras frente al oyente, sino que procurando acurrucarle y darle un respiro, sin prisa alguna.
Un mérito adicional a destacar es el hecho de que el álbum fuera publicado por Not Not Fun Records, sello californiano insigne en la escena experimental y neo-psicodélica. Más que merecido. -IMF

Irreales del Monte | 2023 | Los refugios insulares

Ambient | Drone
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Cristian Sánchez (sintetizadores, sampler, ocarina, cascabeles y grabaciones de campo) y Antonio Aldunate (guitarra acústica, guitarrón chileno y sonajero)
Los refugios insulares es el segundo trabajo del dúo chileno Irreales del Monte, conformado por Cristian Sánchez y Antonio Aldunate, ambos miembros de la ya legendaria banda santiaguina diAblo/el diAblo es un magnífico. Aunque el disco continúa la senda delineada por su antecesor, Historia natural (2022), hay algunos elementos que distinguen a ambos álbumes.
Un primer hecho que destaca es que, en comparación con el debut del proyecto, Los refugios insulares contiene más canciones, que son además más breves. Es una apuesta arriesgada tratándose de música tan atmosférica, que a menudo requiere de períodos más largos para desarrollarse a plenitud. Sin embargo, la química que ambos músicos han desarrollado a lo largo de prácticamente dos décadas tocando juntos en su banda originaria (con interrupciones de por medio) salta a la luz de inmediato en este sentido: no necesitan mucho tiempo para entramar los paisajes sonoros inmersivos que caracterizaban también a Historia natural. Este diálogo orgánico que se genera entre ambos alcanza en Los refugios insulares su plena madurez.
A ello contribuye un segundo elemento distintivo con respecto al debut: la mayor variedad de instrumentos utilizados, entre los que destaca la inclusión del guitarrón chileno por parte de Aldunate. Gracias a ello, si el debut podría ser definido sin grandes riesgos como ambient americana, ceñirse a esa etiqueta en el caso de Los refugios insulares sería un error. Aquí la psicodelia rural a la que apunta el dúo difícilmente pueda vincularse a las llanuras estadounidenses, sino más bien a escenarios pastoriles de la zona central de Chile. Por lo mismo, es un trabajo que goza de un carácter más propio que su predecesor, a lo que ayuda un último elemento a destacar, al que ya he hecho alusión. Allí donde Historia natural se erigía a ratos como un drone envolvente e incluso monolítico, Los refugios insulares baja las armas y se desenvuelve a partir de un temple más delicado, más sutil y sosegado. Lejos de perder al oyente, en ese cariz reposado reside justamente lo cautivante de este nuevo trabajo, que hipnotiza en su serenidad y cobijo.
La vara había quedado alta en Historia natural; Los refugios insulares la supera con creces. -IMF

Mejores discos chilenos de 2020

20. LEM
Portonazos EP
Psybient
19. Rodrigo Yau & Julio Lamilla
Bailes chinos zona central
Bailes chinos
18. trmnto
Transeúnte
Experimental | Post-Rock
17. Beduino
Canícula
Stoner Metal | Sludge Metal
16. Dejalosangrar
En vivo
Post-Metal
15. Dipllopia
TramaNatura
Post-Rock | Electronic
14. Varios
Conecta_2
Electroacoustic | Free Improvisation
13. Orquesta Pandroginia
Pandemia
Latin Electronic | Bit Music
12. A Full Cosmic Sound
A.F.C.S.
Drone | Neo-Psychedelia
11. Ensamble Originario
Improvisaciones de invierno 2019
Experimental Rock | Free Improvisation
10. The Mugris
Permanent Disconnection
Ambient | Electronic
9. Eco
Memorias y el presente
Drone | Ambient
8. Asunción + ihä
Lof
Space Ambient | Drone
7. Eco
Realidad recurrente
Drone | Ambient
6. Marea Idria
Bruma futuro
Drone | Ambient
5. Huillín
I
Psychedelic | Noise Rock
4. Asunción
Divinación: de volcanes y humedales
Space Ambient | Drone
3. Ercco
Corrientes anälogas
Ambient | IDM
2. ihä
Absorto
Ambient | Drone
1. Anthony1 / Orquesta Pandroginia
DJ Bob Presenta: Banana Shot 2020
Atmospheric Drum and Bass | Breakcore









Trancemission & Dimensión 11 | 2018 | Huepil 10 gr

Ambient/Drone
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Huepil 10 gr es el resultado de una colaboración entre Rodrigo Astaburuaga (ex-The Ganjas, aka Trancemission) y Álvaro Daguer (A Full Cosmic Sound, Glorias Navales, aka Dimensión 11), registrada en agosto de 2017 en el Estudio Huepil, en Pucón. Embarcándose en dos exploraciones ambientales de poco más de veinte minutos cada una, el dúo chileno consigue sumergir al oyente en un trance bellísimo que se apoya en la repetición y en la inclusión de arreglos mínimos de una guitarra que, inocente, entrama melodías psicodélicas en medio de la verdadera hipnosis ritualizada que se construye a partir de la base de teclados. La fórmula es sencilla, pero está empleada con tal nivel de naturalidad y fuerza creativa que en ningún momento queda corta. Y del otro lado, tampoco cae en excesos; no hay alarde ni pretensión, sino que, por el contrario, cada instante de Huepil 10 gr transmite una sensación de gozo y serenidad que fluye orgánicamente desde cada pequeño detalle, desde todas las sutiles pinceladas sónicas que le dan forma a este maravilloso trabajo. Sin duda, estamos frente a uno de los álbumes destacados de 2018. -IMF

A Full Cosmic Sound ‎| 2017 | La Automatic Flight Control System (AFCS)

Experimental | Psychedelic | Drone
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Álvaro Daguer (teclado, efectos y ritmos), Gonzalo Muñoz (teclado y efectos), Ed Streeter (efectos, Mac y teclado), Iván Daguer (guitarra y efectos), Jorge Boher (guitarra y efectos) y Matt Mondanile (guitarra y efectos)
Ya el año pasado el excelente split de A Full Cosmic Sound con los argentinos Ø+yn daba cuenta de un nuevo rumbo en el sonido de la banda. Despojándolo de su vocación más ruidista y adoptando un lenguaje minimalista, los chilenos supieron valerse de paisajes sonoros etéreos y atmosféricos para darle una nueva dinámica a su estilo, pero sin sacrificar ni un ápice del carácter propio que ha estado presente desde su debut homónimo.
La Automatic Flight Control System (AFCS) –el primer lanzamiento de AFCS desde dicho split y la segunda publicación del sello Cosmovision Registros Andinos– da un paso adelante en esta dialéctica, haciendo converger la veta más ambiental y meditativa del sonido reciente del conjunto con el espíritu más psicodélico y lisérgico de discos previos. Lo anterior se refleja, por ejemplo, en el retorno a escena de los ritmos programados, que aparecen en los momentos precisos para fundirse sin dificultad con las travesías surreales que la banda entrama con sutileza a partir de la interacción entre las bases de teclado y las articulaciones lúdicas de las guitarras.
Pero más allá de lo que pueda decirse sobre la fórmula, este álbum pone de relieve de forma clara la madurez que AFCS ha alcanzado y la comodidad con que se desenvuelve a la hora de crear como un todo armónico y genuinamente compenetrado. El resultado es órganico, vivo, y cada pieza denota una genialidad no sólo en términos del desplante instrumental de los chilenos, sino también en cuanto a su sensibilidad sónica, capaz de nutrir cada instante de una emocionalidad notable y de un aura meditativa sin igual.
Todos los elementos anteriores hacen de La Automatic Flight Control System (AFCS) un álbum bellísimo y cautivante de principio a fin, y que confirma sin dubitaciones el espacio crucial que A Full Cosmic Sound ocupa en la escena experimental chilena. Uno de los álbumes más destacados de 2017. Imperdible. -IMF

William Basinski | 2017 | A Shadow in Time

Ambient | Drone | Tape Music
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Enlace | mp3 CBR | 320 Kbps
A Shadow in Time constituye el retorno de William Basinski tras un 2016 inusualmente calmo para el músico estadounidense, considerando que 2015 vio el lanzamiento de una triada de álbumes de estudio: Cascade, The Deluge y Divertissement (su tercera colaboración con Richard Chartier). Y el embate es colosal: se trata, sin lugar a dudas, del mejor trabajo de Basinski desde  Variations for Piano and Tape (2006) y se sitúa sin dificultad, por tanto, a la altura de sus Disintegration Loops (2002-2003).
El álbum está constituido por dos canciones. La primera, "For David Robert Jones" (como su nombre lo indica, un homenaje a David Bowie), se vale de la fórmula más habitual de la obra de Basinski, interviniendo sobre la marcha un loop de composición delicada y entramada con elementos mínimos, pero que como de costumbre –esta es una de las marcas registradas del norteamericano– deslumbra por su belleza y su monumentalidad catártica. Esta primera mitad se localiza, así, en el terreno más visitado por Basinski en sus casi dos décadas de discografía, destacando como una de las piezas más sublimes dentro de esta notable trayectoria.
En contraste, en "A Shadow in Time", la segunda parte del disco al que le da el nombre, Basinski se aboca sin miedo a explorar el campo del drone, adoptando un enfoque más experimental y libre que en la canción precedente. En cualquier caso, no se trata de una veta inédita en su trabajo; por ejemplo, Nocturnes (2015) ya había dado luces de esta ruta. No obstante lo anterior, es claro que "A Shadow in Time" se alza como el punto cúlmine, la maduración perfecta de este espíritu exploratorio. Sin perder la delicadeza y la profundidad atmosférica de la primera mitad del álbum, constituye una pieza de melodicidad nebulosa y emotividad fulgurante, complementando a la perfección el carácter más melancólico de "For David Robert Jones".
La sensibilidad sonora y el esplendor inconmensurable de A Shadow in Time lo posicionan no sólo como uno de los mejores trabajos de William Basinski –una vara muy alta, por cierto–, sino también como el mejor álbum de 2017 a la fecha. -IMF

Bishop | 2013 | Trilogía

Lo-fi Electronica | Ambient
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Enlace | mp3 | 320 Kbps
En octubre de 2013, la trilogía anónima de Bishop –conformada por los álbumes Dock Sud, La Era del Gran Ordenador y ROM– arribó como la confirmación de que el material del músico argentino no tiene igual.
Cada uno con un alma propia, los discos que componen esta obra colosal se nutren de una humanidad honesta y de un sonido a la vez sencillo y profundo, que en su minimalismo logra crear atmósferas emotivas, cautivantes y purificadoras. En suma, esta trilogía se desarrolla como un verdadero proceso catártico, partiendo con Dock Sud, de matiz algo más crudo y nervioso, pasando por La Era del Gran Ordenador, más soñador y delicado, y terminando con ROM, el gran tesoro dentro de una trilogía sin puntos bajos, con un sonido más intenso y liberador, que pone el broche de oro a uno de los álbumes clave de 2013 y, en general, de la colección de cualquier amante de la música con alma. -IMF

Don Cherry | 1975 | Don Cherry

Spiritual | Avant-garde Jazz | Fusion
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Enlace | mp3 | 320 Kbps

Don Cherry (trompeta, piano eléctrico y voz), Frank Lowe (saxofón), Ricky Cherry (piano y piano eléctrico), Charlie Haden (bajo), Billy Higgins (batería), Bunchie Fox (bongós en "Brown Rice"), Verna Gillis (voz en "Brown Rice"), Moki Cherry (tambura en "Malkauns") y Hakim Jami (bajo en "Chenrezig")
El disco homónimo del gran Don Cherry (también conocido en sus re-ediciones como Brown Rice) es uno de los puntos más altos de su carrera, incluso si se toman en cuenta su trabajos con Ornette Coleman. Con sólo cuatro canciones se constituye en un verdadero viaje, en una de las obras maestras del legendario Don.
"Brown Rice", la pieza que abre el álbum, es psicodélica, pegajosa, hipnótica; suena casi al psych-folk/drone de la última década. El fuzz del bajo es brillante, y la voz críptica de Don y el incesante canto onírico de Verna Gillis atrapan en un trance sin igual, a lo que ciertamente contribuyen las percusiones de Billy Higgins (uno de los grandes amigos de Cherry y su colega en el cuarteto de Ornette Coleman) y Bunchie Fox.
En contraste con la voluptuosidad danzante de "Brown Rice", la segunda canción del disco, "Malkauns", presenta desde el principio una mayor timidez. La introducción en bajo por parte de Charlie Haden (otro legendario, también parte del cuarteto clásico de Coleman) acompañado por Moki Cherry (la esposa de Don) en la tambura ayuda a establecer una atmósfera introspectiva, melancólica, un poco desolada, sobre la cual Don elucubra una improvisación en trompeta que confirma el tono más bien triste de la canción, pero de una melancolía alegre, catártica, desahogadora. Con la batería de Higgins la atmósfera va transmitiendo un poco más de confianza, de seguridad; la sensación de que la vida es triste a veces, pero que las cosas estarán bien. Hermosa canción.
Por su parte, "Chenrezig" se adentra ya más directamente en las influencias orientales en la música de Cherry. La voz de Don prácticamente entrama un throat singing, que progresivamente va construyendo un ambiente críptico que de a poco se va prendiendo. Más adelante entra en juego un elemento del jazz más tradicional, con un genial, sutil y disonante comping de piano por parte de Ricky Cherry. Y al final, la explosión, el caos, la liberación, con un Don Cherry improvisando frenética y ruidosamente en la trompeta.
Por último, "Degi-Degi" es casi una pieza de afrobeat, aunque sin una percusión predominante. En un piano eléctrico, Ricky Cherry adereza el trance con un comping que le debe bastante a la música de la India y sobre el cual Don narra en tono críptico un parlamento ininteligible, a la vez que Frank Lowe improvisa con energía en el saxo tenor y, con su genialidad característica, Charlie Haden teje una melodía hipnótica en el bajo.
Así, en pocas palabras, Don Cherry constituye un álbum realmente brillante, dinámico y vital. -IMF

Brian Eno | 1985 | Thursday Afternoon

Ambient | Minimalism
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 Enlace | mp3 | 320 Kbps

No es muy distinto lo que se puede decir de Thursday Afternoon que de cualquier otro de los discos ambientales de Brian Eno. De alguna manera, se trata de un álbum que está a medio camino entre el ambient más estructurado de Ambient 1: Music for Airports y la aproximación más deconstructiva y exploratoria que el inglés adoptó en el más reciente Lux. En ese sentido, Neroli constituye una buena referencia cercana, aunque Thursday Afternoon apela a atmósferas mucho más calmas y pacíficas que la tensión que impera en esa placa.
Con una sola pista homónima de poco más de una hora, el sonido de Thursday Afternoon es a la vez relajante y ensoñador, y goza de una delicadeza de incomparable belleza en su fragilidad. Cada pincelada sónica es simple y hasta tímida, pero siempre concienzuda; cada pincelada contribuye al desarrollo de paisajes sonoros coloridos, pero nunca destellantes, sino sutiles y nebulosos. En suma, Thursday Afternoon es una de las joyas escondidas dentro del vasto catálogo de Eno, una placa cuyo relego en la discografía del legendario músico británico parecerá desconcertante para cualquiera que emprenda la bellísima travesía introspectiva frente a la que aquí nos hallamos. -IMF

A Full Cosmic Sound / Ø+yn ‎| 2016 | Split

Drone | Ambient | Experimental
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Este split anónimo reúne a, posiblemente, dos de las bandas más revelantes en la escena experimental latinoamericana actual, cada una con una nutrida y fértil discografía. Por lo anterior, ya en el papel se trata de un álbum prometedor y que, por fortuna y virtud de ambas bandas, sobrevive a cualquier expectativa.
En las dos partes de "Obsidiana" –que constituyen la primera mitad del split–, A Full Cosmic Sound lleva a cabo un ejercicio ambiental bellísimo en que prima un sonido meditativo y melancólico. El gran mérito de la banda es el de haber deconstruido su sonido –siempre experimental e hipnótico– y haberlo llevado a su mínima expresión, a su esencia más primigenia y desnuda. El enfoque minimalista que adoptó AFCS en "Obsidiana" goza de una genialidad evidente y que da cuenta de las distintas rutas que el colectivo santiaguino puede tomar sin riesgo de perderse. Se trata, sin duda, de uno de los puntos más altos de su discografía.
Por su parte, si bien "En cromo" no resulta tan innovador como su contracara vis à vis las expectativas que uno podría tener frente al estilo de Ø+yn, la experimentación sonora en la que el conjunto cordobés se adentra no palidece en el contraste con la primera parte del split. Por el contrario: manteniendo al oyente en el trance en que se halla inmerso, la banda se vale de grabaciones de campo y de una travesía sonora de ribetes tribales y chamánicos para aderezar ese viaje introspectivo con matices psicodélicos y atmósferas que siendo tan primarias como las de A Full Cosmic Sound, se desarrollan en el lenguaje propio de Ø+yn.
En su split, AFCS y Ø+yn lograron simultáneamente cohesión y eclecticismo en un álbum que viene, en suma, a confirmar la relevancia y esplendor de ambos colectivos. Conviene, entonces, escuchar, sumergirse y, simplemente, despegar los pies de la tierra. -IMF

Cluster | 2016 | Konzerte 1972/1977

Experimental | Drone | Ambient
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Enlace | mp3 | V0 (rip propio)
No cabe duda de que gran parte del interés en torno al box set 1971-1981, lanzado recientemente por Bureau B, se cierne sobre Konzerte 1972/1977, el noveno disco de esta colección, constituido por grabaciones inéditas de Cluster en vivo. En particular, el álbum contiene dos pistas: una grabada en 1972 en Hamburgo, Alemania, y la otra en 1977 en Metz, Francia.
Para quien se guíe por la discografía de estudio del dúo alemán, puede resultar extraño el hecho de que el sonido de Cluster en ambas pistas sea tan similar. En 1972 la banda lanzó Cluster II, por lo que, si bien dicho álbum ya incorporaba elementos más melódicos que Cluster 71, no sorprende la aproximación tan experimental que queda de manifiesto en "Fabrik, Hamburg 1972". En contraste, hacia 1977 Cluster había publicado ya Zuckerzeit –que marcó un antes y un después en su discografía, con un sonido marcadamente más melódico que sus predecesores–, Sowiesoso y Cluster & Eno –álbumes que, aunque con una vocación más ambiental, persistieron en esa ruta–, de modo que "Festival International de la Science-Fiction, Metz 1977" puede resultar sorprendente.
Sin embargo, en primer lugar, los múltiples álbumes en vivo del dúo berlinés –Live in Vienna (curiosamente omitido en esta colección), Japan 1996 Live, First Encounter Tour 1996 y Berlin 07– ya daban cuenta de que el trabajo de Cluster en vivo siguió una senda propia, paralela a sus esfuerzos en el estudio. Y de hecho, si hay algo que caracteriza a esos registros en vivo, es, precisamente, su espíritu unívocamente experimental. En segundo término, y matizando lo anterior, a lo largo de la trayectoria de la banda ese cariz exploratorio presentó una evolución notoria, que se hace patente en las dos piezas que componen Konzerte 1972/1977. Así, si en Hamburgo las divagaciones sónicas eran más erráticas y multiformes, en Metz Roedelius y Moebius (QEPD) ya tenían un lenguaje propio, una telepatía sin igual que les permitía construir de manera mucho más concienzuda y paciente las atmósferas hipnóticas y meditativas tan propias del sonido de Cluster.
Más allá de su valor de colección, Konzerte 1972/1977 es un álbum que, como gran parte de la discografía de Cluster, esconde en su cripticismo un valor artístico que no salta a la vista de buenas a primeras, pero que indudablemente está ahí. La sensibilidad sonora y la creatividad inextinguible de la sociedad de Roedelius y Moebius son tan nítidos aquí como en cualquier punto de su vasta trayectoria, y registros como este no hacen más que confirmar en qué medida se ha subestimado el legado inconmensurable de Cluster, algo a lo que contribuyó la inalienable modestia de ambos músicos.
Cluster pudo haberse terminado, pero ese espíritu creativo, esa alma exuberante de emotividad y honestidad arde viva como nunca en la música que el dúo creó en sus casi cuatro décadas de alquimia sonora, y Konzerte 1972/1977 es otro recordatorio de eso. -IMF

NEU! | 1975 | NEU! '75

Krautrock
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Enlace | mp3 | 320 Kbps

Michael Rother (guitarra, piano, voz, sintetizador y electronica), Klaus Dinger (guitarra, piano, voz, percusión y órgano), Thomas Dinger (batería), Hans Lampe (batería)
A fines de 1974 Michael Rother y Klaus Dinger ya no eran unos novatos. NEU! ya tenía a su haber dos discos imprescindibles (en el caso de Dinger se sumaba, además, su participación en el debut homónimo de Kraftwerk), tras lo cual el dúo se aventuró a tomar caminos divergentes por algunos años.
Rother huyó de la agitación de la vida urbana en Düsseldorf y se fue a vivir con Hans-Joachin Roedelius y Dieter Moebius (de Cluster) a una vieja casona rural. Con ellos formó Harmonia, cuyo debut, Musik von Harmonia, fue grabado durante el segundo semestre de 1973. El nuevo trío se caracterizaría por un sonido pastoril, sosegado y ensoñador, que le debía mucho al ambient de Cluster, pero sin dejar de lado la vocación melódica de Rother, que a su vez dejaría una huella en el dúo berlinés.
Por su parte, Klaus Dinger creó Dingerland, un sello musical a través del cual editó en 1973 el álbum debut de Lilac Angels, que él mismo había producido. Sin embargo, su emprendimiento resultó un desastre financiero, por lo que al poco tiempo –y ante la consternación de Dinger– Dingerland se vio obligado a cerrar. Tras ello, comenzaría a gestarse la idea de formar La Düsseldorf junto a su hermano Thomas y Hans Lampe, un técnico del estudio del legendario Conny Plank, quien había producido los dos primeros álbumes de NEU!.
Este era el contexto en el cual Michael Rother y Klaus Dinger volverían a reunirse: un Rother ensimismado en la apacible e introspectiva vida rural y un Dinger enrabiado con la industria musical y el elusivo éxito que tardaba en llegar. Y NEU! '75 sería precisamente el resultado de esa dicotomía. El dúo acordó dedicar una mitad del álbum a la visión de Rother, teñida de una búsqueda sonora más etérea y espiritual, y la otra a la visión de Dinger, efervescente de una energía a la vez creadora y destructiva, fruto de los altibajos que había tenido que enfrentar. El resultado de esta dinámica es uno de los discos más clásicos del krautrock, en que NEU! es capaz de reformular su sonido sin dejar atrás las lecciones aprendidas en NEU! y NEU! 2, pero a la vez introduciendo los nuevos lenguajes por los que abogaban, cada uno por su parte, Rother y Dinger.
"Isi" abre la primera mitad del álbum con la misma fórmula que "Hallogallo" y "Für Immer" habían aplicado en las placas que preceden a NEU! 75: un motorik hipnótico y dinámico, que esta vez, empero, aparece matizado por la mayor delicadeza sonora de la mano de Michael Rother. "Seeland" y "Leb' Wohl" llegan, entonces, para confirmar el nuevo espíritu, constituyendo, posiblemente, las dos canciones más hermosas y frágiles de la discografía de NEU!, con un cariz atmosférico y romántico à la Caspar David Friedrich, común en el trabajo solista de Rother. En contraste, "Hero" irrumpe sin contemplaciones en un proto-punk enérgico y a estas alturas ya legendario, con el sello innegable de un Klaus Dinger explosivo como de costumbre. En la misma línea le sigue "E-Musik", aunque con un sonido más cercano al habitual en NEU!, que da pie al cierre con "After Eight", que vuelve a embestir con un proto-punk electrizante y liberador. El broche de oro de una obra maestra innegable, de un álbum que cerraría la trilogía original de NEU! a la altura de sus esfuerzos previos y que garantarizaría la inmortalidad del dúo alemán, su vigencia hasta el día de hoy y una leyenda imborrable en la historia de la música. -IMF

Aidan Baker | 2015 | Ecliptic Plane

Drone | Ambient
Una de las desventajas de discografías tan vastas como la de Aidan Baker, es que álbumes como Ecliptic Plane pierden el impacto que con justa razón deberían tener. No es, en todo caso, que la obra del músico canadiense adolezca de falta de calidad; por el contrario, sus trabajos han estado siempre a la altura del talento que ha mostrado desde Element, su álbum debut, y gozan de una consistencia que, más allá de su eclecticismo, da cuenta de un sonido propio y característico. Pero aun en este fértil escenario Ecliptic Plane resalta.
Esta nueva placa vuelve al sonido más hermoso del trabajo de Baker, lo que refleja el regreso de la fórmula minimalista más clásica de su trayectoria: guitarra eléctrica y efectos. Con ello, el álbum marca el retorno a los paisajes sonoros ambientales y meditativos, a las pinceladas sutiles que construyen casi imperceptiblemente murallas sónicas etéreas y ensoñadoras, y a ese espíritu catártico que es uno de los sellos característicos de la mano de Aidan Baker.
Aunque ha habido varios lanzamientos destacados en el intertanto (se pueden mencionar, por ejemplo, Noise of Silence o Liminoid / Lifeforms, o sus imprescindibles discos con Caudal, además de varios con Nadja), sin duda alguna Ecliptic Plane es el mejor álbum de Baker desde The Sea Swells a Bit en 2006, un mérito que no es menor. Así, con su naturalidad, su ataraxia y su alma, constituye una placa que llegó en el momento preciso para celebrar la primera década de la excelente travesía musical del canadiense. Otro álbum perfecto. -IMF

Stars of the Lid | 2001 | The Tired Sounds of Stars of the Lid

Ambient | Drone
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Enlace | mp3 | 192 Kbps

Adam Wiltzie, Brian McBride, Craig McCaffrey, Pieter De Wagter, Sarah Nelson, Mr. Kranky, Luke Savisky y Jon McCafferty
The Tired Sounds of Stars of the Lid es un apacible viaje etéreo, constituido de atmósferas ambientales y oníricas que sumergen al oyente en un cálido aire instrospectivo. En su construcción sónica no se vale de alardes compositivos ni mucho aparataje; por el contrario, la banda apunta a restar, a un minimalismo impoluto dirigido a la belleza de los paisajes sonoros, y no a una teatralidad artificial. Es un idioma simplísimo, pero que en su sensibilidad y delicada solemnidad logra que The Tired Sounds of Stars of the Lid consiga a la perfección ese ideal de belleza tan prístino y honesto.
Como leí en una reseña ajena: "Finalmente he descubierto de lo que se trata la vida... y es como esto, como soñar sin tener que dormir". Tal vez esa sea la mejor forma de definirlo. -IMF

Popol Vuh | 1976 | Letzte Tage-Letzte Nächte

Krautrock
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Enlace | mp3 | 320 Kbps

Florian Fricke (piano), Daniel Fichelscher (guitarra y percusión), Djong Yun (voz), Renate Knaup (voz), Al Gromer Khan (sitar) y Ted De Jong (tambura)
Letzte Tage-Letzte Nächte se distingue dentro de la discografía de Popol Vuh por dos motivos principales. En primer lugar, porque es un álbum con un espíritu que sin llegar a ser krautrockero de lleno, goza de un cariz decididamente más enérgico que discos como Hosianna Mantra o Aguirre, lo que se refleja sobre todo en la instrumentación. Y por otro lado, porque si bien mantiene la emotividad y el carácter meditativo que caracteriza el sonido de la banda ─esa solemnidad espiritual de siempre─, en esta ocasión toma una dirección algo menos melancólica y mucho más cálida y dulce, por momentos incluso alegre.
Letzte Tage-Letzte Nächte no es un disco especial por el solo hecho de ser distinto; lo es porque dentro del lenguaje particular que desarrolla consigue construir atmósferas hermosísimas e introspectivas en su propia forma. La banda de Florian Fricke logró, con una naturalidad envidiable, armar un álbum sencillamente perfecto. -IMF

KB Cabala | 2014 | Safe

Psychedelic | Electronic | Ambient
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En Safe, KB Cabala se aleja por un momento del sonido de Chicos de Nazca y La Hell Gang para experimentar con la electronica. Sin embargo, la psicodelia de sus bandas principales sigue presente, y la convergencia entre ambos estilos no puede estar mejor lograda. Safe está a medio camino entre unos Boards of Canada más alegres y volátiles, y la electronica primigenia del kraut alemán, recordando por momentos los trances mántricos de Tangerine Dream o el espíritu contemplativo de Popol Vuh. Alternativamente, sería más simple hacer un nexo más directo y decir que suena a unos Chicos de Nazca en código electrónico, porque queda patente a lo largo del álbum que los paisajes sonoros que en él se desarrollan tienen mucho en común con los del trío capitalino. Pero más allá de las comparaciones posibles o la casi obsesiva necesidad de ponerle etiquetas a la música, lo innegable es que Safe es un disco increíble, de fácil escucha y lleno de pasajes hermosos que, sin duda, lo hacen imperdible. -IMF

A Espiral de Bukowski | 2014 | B1620-25i

Electronic | Drone | Ambient
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Enlace | mp3 | 320 Kbps

Cesar Zanin (sintetizador, efectos, sampler y loops) y Mariana Cetra (teclado, efectos, acordeón y melódica)
B1620-25i es una de las mejores muestras del sonido de A Espiral de Bukowski. Paseándose entre improvisaciones ambientales y etéreas (buen ejemplo de esto es "Pitágoras Visitam Matusalém Antes da Gramática Universal"), y momentos de electronica delicada y solemne ("Partida da Neblina" es una pieza hermosísima que da cuenta de esto), el dúo brasileño inevitablemente evoca como referencia a los primeros años de Cluster. La analogía es precisa: al igual que en el caso de los alemanes, AEdB tiene una vocación experimental innegable, pero que a la vez deriva con genialidad en el desarrollo de piezas más estructuradas que siendo sencillas alcanzan una profundidad y una emotividad admirables, lo que llena a B1620-25i de una sensibilidad poco habitual en el a veces frío campo de la electronica. En este sentido, la instrumentación también juega a favor; la caja de ritmos nutre al sonido del dúo de un espíritu de cierto modo pueril, al tiempo que no hay tiempo muerto en la improvisación, de modo que se consigue un estilo dinámico y cautivante.
Detrás de su aparente cripticismo, el sonido de AEdB está lleno de sutilezas y matices que hacen de B1620-25i un disco excelente. -IMF

A Full Cosmic Sound | 2015 | Live en Perú 2013

Ambient | Experimental Rock
Live en Perú 2013 es un nuevo disco en vivo de A Full Cosmic Sound que presenta el registro de la presentación de los chilenos en el encuentro Integraciones III de noviembre de 2013 en Lima. El álbum parte con la melancolía etérea de "El secreto está en la miel / Traición 73", sentando lentamente una hermosa atmósfera meditativa que, sin dejar de lado la vocación experimental de la banda, se enmarca en su faceta más ambiental. La timidez y delicadeza de la primera pieza deviene progresivamente en un verdadero viaje introspectivo con "Los Músicos", en la que la percusión se lleva el protagonismo al darle una cierta estructura al ritual sónico de la banda, alimentando el cariz hipnótico tan característico de A Full Cosmic Sound, tras lo cual "El Vicioso" llega a poner el broche de oro. La primera parte de esta última canción recuerda al cripticismo del debut de la banda, pero de a poco va emergiendo una línea melódica que da cuenta de la sensibilidad musical que siempre asoma, de algún u otro modo, en los trabajos de AFCS, y que sin perder intensidad, da matices de una melancolía feliz que pone de relieve el esplendor de su sonido. Tal vez, en ese sentido, la crítica que se puede hacer en el cierre del álbum es el abuso de "West Coast" y "OK" (se entiende al escucharlo), que tienden a romper el trance meditativo que se ha conseguido a lo largo del disco. Pero pasando por alto ese detalle (es un detalle, a fin de cuentas), Live en Perú 2013 es fiel reflejo del estilo genuino de A Full Cosmic Sound y de la belleza sónica que en el se esconde. -IMF