Clara Engel | 2017 | Songs for Leonora Carrington

Dark Folk
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Clara Engel (voz, guitarra, órgano y flauta), Paul Kolinski (batería), Mitchell Girio (bajo), Bryan W Bray (guitarra en "Sanctuary for Furies"), James Beardmore (theremin en "The Ancestor"), y Cormac Culkeen, MattheW Badali, Kyle Johnston, Michael-David Blostein y Darlene Cuevas (coristas en "Anubeth's Song")

Tras una serie de EPs y singles publicados tras el excelente Visitors Are Allowed One Kiss, Clara Engel regresa con Songs for Leonora Carrington, un álbum inspirado en el trabajo de la artista y escritora inglesa-mexicana Leonora Carrington. En este contexto, el correlato que se establece entre estas composiciones y la obra pictórica de Carrington es idóneo, toda vez que conviven armónicamente en escenarios coloridos y surrealistas, que en el plano de lo lírico son entramados a la perfección por las letras de Engel.
En cuanto a su sonido, nos encontramos frente a una placa deslumbrante, cuya honestidad se refleja en una ausencia de pasos en falso y se traduce en una intimidad conmovedora, inusual en la música actual. En base a un espíritu minimalista, la canadiense desarrolla atmósferas delicadas que, más allá de su belleza sin par, dan cuenta de lo que el arte debe ser: una expresión de apertura, no de obturación. Y es en ese espectro en que Clara Engel consigue dar en el clavo con su tributo a Leonora Carrington no sólo en la forma, sino también en su visión artística.
Songs for Leonora Carrington se trata, entonces, de un tributo totalmente a la altura del desafío y que cuenta con un mérito adicional: que consigue, al mismo tiempo, poner de relieve la identidad musical que Clara Engel ha desarrollado en más de diez años de trayectoria discográfica. Todo lo anterior sitúa a esta placa como uno de los mejores álbumes en lo que va de 2017 y, sin duda, como uno de los puntos altos del catálogo de la cantautora. -IMF

Damien Youth | 1997 | Bride of the Asylum

Folk | Singer-songwriter
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El caso de Damien Youth es curioso. Con una carrera de más de tres décadas y una vasta discografía como registro indeleble del camino recorrido, la escasez de información sobre el músico estadounidense y la poca difusión de su trabajo resultan difíciles de creer, particularmente cuando se toma el peso de su material.

Bride of the Asylum no es sólo una de las verdaderas joyas olvidadas que se hallan entre sus más de veinte álbumes, sino un hito criminalmente subvalorado dentro del espectro de la música subterránea, del que Damien Youth sin duda proviene. Se trata de una placa de folk atemporal, a-histórico, suspendido en el tiempo; un álbum que goza de una universalidad que se sustenta, quizá, en la simpleza de su sonido, por cuanto buena parte de Bride of the Asylum se cimienta en la fórmula creativa más primaria: un hombre y su guitarra. Y aun cuando ese formato sea decorado –siempre con sutileza– echando mano a distintos arreglos, la música de Damien Youth jamás pierde esa trascendencia.

Por otro lado, si musicalmente es posible trazar algunas referencias lejanas, como Leonard Cohen, Nick Drake –en sus momentos de mayor delicadeza– o incluso Syd Barrett –cuando adopta un cariz psicodélico–, es en la calidad lírica de sus composiciones donde Damien Youth alcanza la distinción, lo que involucra a las letras per se, a su interpretación vocal y a las geniales líneas melódicas que urde en cada una de las piezas del álbum. No hay canción en Bride of the Asylum que no brille en esta área.

La genialidad de Bride of the Asylum resplandece en virtud de la honestidad pulcra de la que hace gala y de la genuina pasión que Damien Youth deposita en cada segundo del disco. Ahí se encuentra, verdaderamente, la semilla de un trabajo tan, tan bueno como este. -IMF

Clara Engel | 2015 | Visitors Are Allowed One Kiss

Folk | Singer-songwriter

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Foto: Ilyse Krivel

Comentar álbumes como Visitors Are Allowed One Kiss presenta una serie de desafíos. Por ejemplo, su carácter de inclasificable limita la posibilidad de hacer análogos o de siquiera esbozar una idea que revele fielmente su contenido. Sí, es folk, pero no es exactamente eso, y aunque tiene algo de drone y una melancolía bluesera, tampoco es drone ni blues. En este sentido, la dificultad de clasificarlo refleja, de hecho, uno de los encantos más evidentes del trabajo de Clara Engel: su originalidad, una cualidad que obliga a describir su música de manera ad-hoc.
"Apocalíptico" es un adjetivo que suele asociarse a la música de Clara Engel, pero ¿cómo a algo tan hermoso se le podría atribuir una cualidad de este tipo? Si bien es cierto que el sonido de Visitors Are Allowed One Kiss es melancólico y desolado, más que dantesco, es introspectivo. Y a esta bellísima fórmula contribuyen de forma idónea, por una parte, su espíritu decididamente minimalista en el trabajo instrumental –presidido por la guitarra de la propia Clara– y, por otro, la extraordinaria voz de la cantautora, que le da a la música una profundidad que deja sin palabras. En este último punto es preciso destacar, además, el también sobresaliente esfuerzo lírico, otro elemento que tiñe de una atmósfera íntima el sonido de la placa.
Es difícil elegir palabras que estén a la altura de un disco como este y que no parezcan sucios garabatos que quiebren su delicadeza y sensibilidad. Pero en suma, Visitors Are Allowed One Kiss constituye un álbum majestuoso que, imperturbable, ahonda en un viaje reflexivo y catártico sin igual, signo de una honestidad sin contemplaciones y un esfuerzo compositivo despampanante. Increíble.  -IMF

Alvaro the Chilean with the Singing Nose | 1977 | Drinkin My Own Sperm

Outsider | Latin | Experimental
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Álvaro Peña (piano, percusión, pinquillo, flauta, bajo, piedras, voz y silbato), Antonio Narvàez (batería, bombo y otros) y Cathy Williams (voz en "Pálido Sol")

Tratar de clasificar de algún modo el debut del legendario Álvaro Peña es una tarea casi ilusa. Pero si fuera de vida o muerte, aventuraría lo siguiente: Drinkin My Own Sperm es lo que resultaría de combinar El Volantín de Los Jaivas, Hi, How Are You de Daniel Johnston y los momentos más experimentales de PiL, aunque esta ciertamente es una referencia que se queda corta. En otro extremo, sería una exageración tratar al álbum como un simple ejercicio de corriente de la consciencia; sería restarle crédito. Es claro que hay un trabajo compositivo detrás de estas siete piezas, particularmente en las geniales melodías de piano de Peña (el trabajo de Antonio Narváez en percusiones también es digno de ser mencionado), pero lo que puede confundir un oyente ingenuo es el hecho de que el resultado final no sea un disco empaquetado, sobre producido o con un abuso de overdubs. Drinkin My Own Sperm suena fresco en cada escucha, incomparablemente honesto, creativo, ecléctico y entretenido; además de tener un cariz melancólico que de alguna forma caracteriza a Chile (como me dijeron por ahí una vez, los chilenos somos "latinos tristes", y creo que no hay mejor definición). Todo se resume en que Drinkin My Own Sperm se trata, sin duda alguna, de uno de los mejores álbumes chilenos jamás grabados. -IMF

Sam | 2014 | Lost Songs, Vol. 1

Lo-fi | Psychedelic | Folk Rock

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Para comentar Lost Songs, Vol. 1 es inevitable hacer comparaciones con el resto de la discografía de Sam Maquieira (The Ganjas, Yajaira, The Versions, Wild Parade). Aunque bastante eclécticos, los distintos trabajos en que Maquieira ha participado evidencian ciertos lugares comunes que hacen muy reconocible su labor instrumental. En el contraste, lo lindo de Lost Songs es que saca a Sam del esquema de banda al que estamos acostumbrados y nos da un vistazo a una faceta más personal y, por lo mismo, más libre. Las canciones aquí no buscan la pulcritud del sonido ni una estructura formal. En ese sentido, aunque fieles a un espíritu folk, son más experimentales que el resto de la discografía de Maquieira y gozan de un cariz más relajado y una admirable frescura en la composición (o, en muchos casos, en la improvisación de la que surgen las piezas), precisamente por estar exentas del canon rockero tradicional.

Quizás una referencia obvia sería Neil Young, pero esta analogía deja fuera muchos elementos que se encuentran en Lost Songs y que vale la pena aludir. Posiblemente por su sonido lo-fi, muchas de las canciones recuerdan los primeros trabajos de Beck (de 1994 hacia atrás; sus discos folk), al tiempo que el trabajo en guitarras evoca, por momentos, el primitivismo de John Fahey. Sin embargo, pese a las luces que se pueden dar sobre su sonido y a lo distinto que pueda ser del resto de la discografía del músico, lo cierto es que el álbum definitivamente suena a Sam, en el sentido de que, si bien adopta una fórmula distinta, su sensibilidad musical tan característica sigue estando patente en cada pieza, nutriendo a Lost Songs de la melancolía psicodélica que tan menudo asoma en el sonido de The Ganjas y que lo hace tan cautivante. Con eso, ya es un disco que vale la pena. -IMF

Leonard Cohen | 1967 | Songs of Leonard Cohen

Contemporary Folk

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Songs of Leonard Cohen, el debut del músico canadiense, no necesita más que un hombre y su guitarra para alcanzar la perfección. Con un sonido sencillísimo que se vale de unos pocos arreglos adicionales para apoyar las atmósferas, el álbum se sustenta primordialmente en la genialidad de las composiciones de Cohen y la gravedad y dulzura de su voz. Y de verdad que no necesita más que eso.

Songs of Leonard Cohen, en su sencillez, es una hermosa muestra de humanidad y prueba definitiva de que, al final, lo que importa es la expresión honesta y no los adornos que se puedan colgar alrededor. Este álbum es sólo contenido; no hay nada que sobre, como debería ser siempre en la música. Por eso no sorprende que pese a ser lanzado en 1967 -un año lleno de clásicos- sea un disco infantable entre los mejores de la historia. No es exageración. -IMF