Hijos de Saturno

Aidan Baker | 2015 | Ecliptic Plane

Drone | Ambient

Una de las desventajas de discografías tan vastas como la de Aidan Baker, es que álbumes como Ecliptic Plane pierden el impacto que con justa razón deberían tener. No es, en todo caso, que la obra del músico canadiense adolezca de falta de calidad; por el contrario, sus trabajos han estado siempre a la altura del talento que ha mostrado desde Element, su álbum debut, y gozan de una consistencia que, más allá de su eclecticismo, da cuenta de un sonido propio y característico. Pero aun en este fértil escenario Ecliptic Plane resalta.

Esta nueva placa vuelve al sonido más hermoso del trabajo de Baker, lo que refleja el regreso de la fórmula minimalista más clásica de su trayectoria: guitarra eléctrica y efectos. Con ello, el álbum marca el retorno a los paisajes sonoros ambientales y meditativos, a las pinceladas sutiles que construyen casi imperceptiblemente murallas sónicas etéreas y ensoñadoras, y a ese espíritu catártico que es uno de los sellos característicos de la mano de Aidan Baker.

Aunque ha habido varios lanzamientos destacados en el intertanto (se pueden mencionar, por ejemplo, Noise of Silence o Liminoid / Lifeforms, o sus imprescindibles discos con Caudal, además de varios con Nadja), sin duda alguna Ecliptic Plane es el mejor álbum de Baker desde The Sea Swells a Bit en 2006, un mérito que no es menor. Así, con su naturalidad, su ataraxia y su alma, constituye una placa que llegó en el momento preciso para celebrar la primera década de la excelente travesía musical del canadiense. Otro álbum perfecto. -IMF

The Clash | 1979 | London Calling

Punk Rock | Reggae
Info | Escucha
Enlace | mp3 | 320 Kbps

Joe Strummer (voz, voz de fondo, guitarra y piano), Mick Jones (guitarra, piano, armónica, voz y voz de fondo), Paul Simonon (bajo, voz de fondo, y voz en "The Guns of Brixton"), Topper Headon (batería y percusión), Baker Glare (silbidos), Micky Gallagher (órgano) y The Irish Horns (bronces)

En alguna entrevista perdida se le preguntó a John Lydon sobre The Clash. Su respuesta: la banda liderada por Joe Strummer no tenía nada especial y le debía su sonido a los Sex Pistols. Yo le tengo mucho aprecio al buen Johnny Rotten –PiL es una de mis bandas favoritas–, pero es imposible estar de acuerdo con él en eso. Si bien el debut homónimo de The Clash sí mostraba una cierta convergencia sónica con Never Mind the Bollocks (aunque cabe tener presente que, de hecho, The Clash fue publicado un semestre antes que la ópera prima de los Pistols), la divergencia que se evidencia en London Calling da cuenta de que el sonido de la banda de Strummer tenía otros orígenes, venía de otro lado.
London Calling prácticamente no es un álbum de punk rock; trasciende al género. Es rock, sí, pero también es reggae, también es ska y también es new wave, todo con una actitud que obviando decididamente la estética anarquista del punk (otro indicio de divergencia con respecto al resto de la escena), asume una postura más bien rockabilly, sin dejar los ribetes políticos de lado. ¿El resultado? Un LP doble (!) de más de una hora de duración que se hace corto, que no cae en fórmulas predecibles y que, por el contrario, brilla por un dinamismo sin igual. Es una obra maestra del punk por hacer lo más punk que se puede hacer: darle la espalda al género y arriesgarse a introducir influencias sin fundamentalismos ni conformismo. Y más aún: por ser un disco plagado de canciones inmortales, un álbum que no flaquea en ningún momento y que goza del oximorón imprescindible: riesgo-identidad. Sin duda, méritos suficientes para su condición de obra maestra. -IMF

Minami Deutsch | 2015 | Minami Deutsch

Kyotaro Miula (guitarra, voz y sintetizador), Tatsuhiko Rauschenberg (guitarra) y Takuya Nozaki (batería)

Anteriormente ya he aludido al gran año que 2015 significó para el krautrock. Pharaoh Overlord, Föllakzoid y Brainticket contribuyeron desde sus particulares flancos a esta estadística, con tres discos excelentes dentro del género. Pero faltaba comentar otro de los álbumes esenciales que 2015 dejó en su camino. Y es que el debut homónimo de los japoneses Minami Deutsch cuenta con méritos propios, porque si bien es evidente que la banda se nutre fuertemente de la herencia alemana (particularmente, del motorik de NEU!), no es menos claro cómo el legado psicodélico japonés entra en la ecuación también. En este sentido, difícilmente podrían eludirse referencias a Ghost, a Acid Mothers Temple o quizás incluso a Boredoms, más tangencialmente, aunque decir que el trío sólo juega a la mera imitación sería un error. El encanto de Minami Deutsch no reside sólo en una receta entretenida para los fanáticos de las escuelas alemana y japonesa, sino también en cómo el álbum se sostiene por sí solo más allá de las citas. En efecto, este disco es un viaje en sí mismo, un trance basado en ritmos hipnóticos y repetición bien hecha, en mantras inteligibles que alimentan el espíritu psicodélico de cada canción y que le dan al álbum un cariz a la vez críptico y cautivante.
En suma, era imposible hablar del verdadero renacimiento del kraut y la psicodelia en 2015 sin hacer mención de un álbum como Minami Deutsch, que además cuenta con el mérito de ser la ópera prima del trío japonés. Es de esperar que la llama no se extinga, ni para Minami Deutsch ni para esta nueva camada psicodélica que plagó de buenos lanzamientos el año pasado. -IMF

Alvaro the Chilean with the Singing Nose | 1977 | Drinkin My Own Sperm

Álvaro Peña (piano, percusión, pinquillo, flauta, bajo, piedras, voz y silbato), Antonio Narvàez (batería, bombo y otros) y Cathy Williams (voz en "Pálido Sol")

Tratar de clasificar de algún modo el debut del legendario Álvaro Peña es una tarea casi ilusa. Pero si fuera de vida o muerte, aventuraría lo siguiente: Drinkin My Own Sperm es lo que resultaría de combinar El Volantín de Los Jaivas, Hi, How Are You de Daniel Johnston y los momentos más experimentales de PiL, aunque esta ciertamente es una referencia que se queda corta. En otro extremo, sería una exageración tratar al álbum como un simple ejercicio de corriente de la consciencia; sería restarle crédito. Es claro que hay un trabajo compositivo detrás de estas siete piezas, particularmente en las geniales melodías de piano de Peña (el trabajo de Antonio Narváez en percusiones también es digno de ser mencionado), pero lo que puede confundir un oyente ingenuo es el hecho de que el resultado final no sea un disco empaquetado, sobre producido o con un abuso de overdubs. Drinkin My Own Sperm suena fresco en cada escucha, incomparablemente honesto, creativo, ecléctico y entretenido; además de tener un cariz melancólico que de alguna forma caracteriza a Chile (como me dijeron por ahí una vez, los chilenos somos "latinos tristes", y creo que no hay mejor definición). Todo se resume en que Drinkin My Own Sperm se trata, sin duda alguna, de uno de los mejores álbumes chilenos jamás grabados. -IMF

Foxtrot Sierra and The Uniforms | 2015 | Surfin' Krautlifornia

Psychedelic | Space Rock

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Surfin' Krautlifornia es la sucesión lógica del sonido de The Psychedelic Schafferson Jetplane. El debut solista de Foxtrot Sierra profundiza en la fórmula de su banda madre con una suerte de blues rock psicodélico que deja entrever con sutileza influencias que van desde el tropicalismo hasta el surf rock, pasando por la escuela electrónica del krautrock (podría nombrarse Rastakraut Pasta, de Moebius y Plank, como referencia remota), el ambient, e incluso la exotica (varios pasajes evocan, por ejemplo, el trabajo de Nardini y Roger en Jungle Obsession).
Con un estilo hipnótico y directo, y composiciones sólidas que constituyen un todo coherente y atractivo a la primera escucha, Surfin' Krautlifornia resulta un disco entretenido y dinámico, sin puntos bajos y recomendable para cualquier fanático de la buena psicodelia. Además, su sonido se presta a la perfección para acompañar estas calurosas tardes de primavera, y será parte obligada de la banda sonora veraniega. Otro álbum en lo alto de la nueva psicodelia chilena. -IMF

Grimes | 2015 | Art Angels

Electropop
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Enlace | mp3 | 320 Kbps

Tras su vertiginoso salto a la fama con el aclamado Visions, las expectativas para el cuarto álbum de Grimes eran altas. Y posiblemente la canadiense era consciente de eso, como parece evidenciar el largo lapso de tres años que tardó en aparecer Art Angels, intervalo marcado, además, por un álbum ya grabado cuyo lanzamiento fue abortado por la propia Claire Boucher. De este último alcanzó a publicarse un single, "Go", que desconcertó a la fanaticada más conservadora por sus flirteos con el trap y el R&B, y un sonido que se alejaba sin contemplaciones del de los álbumes precedentes, lo cual supuso una exaltación aun mayor por lo que sería este cuarto trabajo de estudio.

Si bien Art Angels no siguió en esa criticada vía de exploración estilística, sí marca una evolución en el sonido de Grimes. Esta nueva placa tiene un carácter decididamente más pop y menos electrónico y experimental que Visions, y para qué decir respecto de Geidi Primes y Halfaxa. Pero la transición, aunque abrupta, no podría haberse logrado de mejor modo. Art Angels es un disco que puede no entenderse a la primera escucha, y en ese sentido aún conserva algo del espíritu experimental que tiñe un poco de cripticismo la música de Grimes, pero que paulatinamente logra revelar su encanto a base de canciones pegajosas y un eclecticismo genial, particularmente en la primera mitad de la placa. El álbum es la perfecta muestra de cómo alienándolo de su condición de producto comercial, el pop puede constituirse en un lenguaje tan valioso como otros géneros musicales. Ciertamente, el talento innegable de Grimes como compositora y como cantante es un ingrediente imprescindible en esta receta, así como una producción mucho más pulida que en sus trabajos anteriores.

Es innegable que el riesgo que tomó Grimes en pos de un sonido más ligero y directo no está siendo del todo bien recibido por sus seguidores. Pero lo cierto es que, más allá de una ceguera puritana, no parece haber argumentos en contra de esta nueva senda. Art Angels es prueba irrefutable de eso. Sin duda, uno de los grandes discos de 2015. -IMF

Vago Sagrado | 2015 | Vago Sagrado

Psychedelic | Space Rock

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Alberto Parra (guitarra y voz), Carlos González (bajo y voz) y Nicolás Violani (batería)

El debut homónimo de Vago Sagrado es un álbum que da excelentes señales del potencial de este trío santiaguino. Ya con las canciones que dan inicio al disco –"La alfombra debajo del océano" y "Take Back the North"– queda claro que la banda no sólo goza de una gran calidad compositiva, sino además de un talento instrumental que destaca en todas sus aristas, particularmente en las guitarras, que dan cátedra de cómo usar correctamente los efectos de pedal. Vago Sagrado consigue sonar orgánico y natural, dando cuenta de la gran cohesión de la banda, al tiempo que las atmósferas psicodélicas y espaciales que se construyen sin dificultad cautivan rápidamente y no abandonan ni por un segundo el sonido del álbum, que se constituye como un todo coherente y entretenido, sin desperdicio. ¿Qué mejor comienzo? -IMF