Kamasi Washington | 2015 | The Epic

Spiritual Jazz

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Leon Mobley (percusión), Kamasi Washington (saxofón), Igmar Thomas (trompeta), Ryan Porter (trombón), Cameron Graves (piano), Brandon Coleman (teclado), Thundercat (bajo), Miles Mosley (bajo), Ronald Bruner Jr. (batería), Tony Austin (batería), Dwight Trible (voz) y Patrice Quinn (voz)

Con un sonido que evoca los momentos más espirituales de John Coltrane y, sobre todo, a Pharoah Sanders, Kamasi Washington hace su debut discográfico nada menos que con un álbum de tres horas de duración. Posiblemente ese dato haga parecer todo un desafío enfrentar The Epic. Pero la verdad es que una vez sumergido en él, esas tres horas se hacen nada.
Kamasi sin duda logra desarrollar un idioma propio, que si bien toma mucho del legado del spiritual jazz de los grandes referentes del género, no deja de sonar fresco. Por momentos hay una cierta familiaridad con contemporáneos como Matana Roberts o Jaimeo Brown, pero la incorporación de sintetizadores y el eclecticismo de las voces que aparecen de cuando en cuando llevan su sonido en otra dirección, desbordándose, a ratos, al soul jazz o incluso al jazz fusion, sin adolecer de los excesos técnicos de este último.
En suma, resulta claro que The Epic es una obra colosal, pero que pese a su magnitud ─tanto en su dimensión compositiva como en lo relativo a su duración─ logra una cohesión admirable y un estilo que resulta dinámico y cautivante. Kamasi Washington es parte de una nueva camada de jazzistas que viene a garantizar que es un género que aún da para obras maestras. -IMF

Los Knock Knock's | 2015 | Digital Garage Days

Exp | Electronic

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El nuevo álbum de Los Knock Knock's es imposible de clasificar. A diferencia de EP ─el otro lanzamiento con que cuenta a su haber Diego Hernández bajo el seudónimo de Los Knock Knock's─, en que la manipulación de cintas era la protagonista, o el trabajo de Hernández en Jesus Freaks, con un sonido más lisérgico y psicodélico (por momentos cercano a unos Spacemen 3), lo de Digital Garage Days no tiene un apelativo tan claro. No es que no posea identidad; por el contrario, es un disco sumamente cohesionado y con estilo muy característico. Pero ¿cómo describirlo? Tiene algo que recuerda los momentos más luminosos de Dirty Beaches y, en una idea más arriesgada, ciertas reminiscencias de los inicios de Kraftwerk, pero más allá de eso es difícil dar referencias. Qué mala reseña. ¿Es un buen disco? Definitivamente. Es pegajoso y se digiere desde un principio. Tiene un espíritu más bien pueril, y juega con él de un modo en que realmente consigue sonar libre, sin nada forzado, lo que queda de manifiesto en lo sencillo y directo de su sonido, que en su búsqueda permanente pasa, por momentos, a ser psicodélico. No hay alarde ni nada que suene aparatoso. Tiene los elementos precisos para cautivar desde el principio y ─lo mejor─ no pierde brillo con cada escucha; se mantiene colorido y vistoso. Entonces, ¿no hay clasificación? No la hay. Pero es un excelente álbum; uno de los más entretenidos que he escuchado el último tiempo. Basta con eso, ¿no? -IMF

Nirvana | 1996 | From the Muddy Banks of the Wishkah

Grunge

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Kurt Cobain (voz y guitarra), Krist Novoselic (bajo), Dave Grohl (batería y voz de fondo), Chad Channing (batería en "Polly" and "Breed") y Pat Smear (guitarra y voz de fondo)

Nirvana fue una de mis bandas de cabecera en la pre-adolescencia. Tras algunos años pegado a Nevermind ─siendo honesto, no sé si realmente haya ido más allá de este disco─, mi exploración musical me llevó por otros rumbos. Luego de un buen tiempo escarbando en rincones más subterráneos, inevitablemente Nirvana se volvió de lo más canónico para mí. Y sin embargo, canónica y todo, su música volvió a atraparme como hace casi 15 años. En ese sentido, From the Muddy Banks of the Wishkah ha contribuido con fuerza al resurgimiento de mi fanatismo por Nirvana.
El disco es una compilación de registros en vivo de entre 1989 y 1994, por lo que abarca toda la trayectoria discográfica de la banda washingtoniana. Y aunque ─de nuevo─ el grunge pasó a ser parte del canon musical del Occidente neoliberal, musicalmente Nirvana se desbordaba con genialidad fuera de la fórmula estándar del género, pasando sin dificultad al noise rock o al rock alternativo. Pero más allá de la etiqueta, lo distintivo del sonido del trío, particularmente en vivo, era la energía y el alma que ponían en su música, lo que sumado a composiciones simples y pegajosas constituía una fórmula perfecta para atrapar a la primera escucha, sin dejar de lado sazones precisos de disonancia y nihilismo sónico, también características propias de la banda de Aberdeen.
En suma, creo que Nirvana es ineludible para mí, y estoy lejos de renegar. De alguna forma, se ha vuelto parte de mi vida, ya no sólo musicalmente, sino como un depósito de recuerdos de otros tiempos. ¿Mejores tiempos? No. Pero al fin y al cabo, una etapa que, quiéralo o no, forma parte de quien soy ahora. -IMF

Brainticket | 2015 | Past, Present & Future

Progressive | Krautrock

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Joel Vandroogenbroeck (órgano, piano, sintetizador, sitar y flauta), Kephera Moon (sintetizador y voz), Kyrsten Bean (voz y guitarra), Nicky Garratt (guitarra), Bryce Shelton (bajo) y Jason Willer (batería y percusión)

La sorpresa de Past, Present & Future es doble. Por una parte, por el simple hecho de que Brainticket haya grabado un nuevo disco después de 15 años de sequía discográfica ─la segunda pausa más larga de su carrera, luego de la de 18 años entre Voyage y Alchemic Universe─, considerando además que Joel Vandroogenbroeck, el líder y único miembro original de la banda, tiene ya 77 años.

Por otro lado, el álbum también constituye una sorpresa porque después del desconcertante ─no hay otra forma de definirlo─ Alchemic Universe (un trabajo casi techno grabado prácticamente como un disco solista de Vandroogenbroeck) y del anuncio de que la banda sería reformada con miembros de U.K. Subs y Die Krupps, las expectativas eran bajas. Y bueno, con Past, Present & Future la banda supo no sólo superar esas expectativas, sino que además dejar la vara alta.

Sin un atisbo de ejercicio de nostalgia, recuperaron la psicodelia y el groove del clásico Cottonwoodhill y lo nutrieron a la perfección con el espíritu más críptico e introspectivo de Psychonaut o Celestial Ocean. Y el resultado suena fresco, en ningún minuto forzado y siempre a la altura del mejor material de la banda europea. La segunda sorpresa es, en resumen, el hecho de que a esta altura del partido Brainticket saque uno de sus mejores discos a la fecha, precisamente en el momento en que los antecedentes no eran los mejores. El krautrock está adquiriendo nueva vida en 2015 y Past, Present & Future es uno de los protagonistas indiscutibles de este nuevo respiro. -IMF

A Espiral de Bukowski | 2014 | B1620-25i

Electronic | Drone | Ambient

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Cesar Zanin (sintetizador, efectos, sampler y loops) y Mariana Cetra (teclado, efectos, acordeón y melódica)

B1620-25i es una de las mejores muestras del sonido de A Espiral de Bukowski. Paseándose entre improvisaciones ambientales y etéreas (buen ejemplo de esto es "Pitágoras Visitam Matusalém Antes da Gramática Universal"), y momentos de electronica delicada y solemne ("Partida da Neblina" es una pieza hermosísima que da cuenta de esto), el dúo brasileño inevitablemente evoca como referencia a los primeros años de Cluster. La analogía es precisa: al igual que en el caso de los alemanes, AEdB tiene una vocación experimental innegable, pero que a la vez deriva con genialidad en el desarrollo de piezas más estructuradas que siendo sencillas alcanzan una profundidad y una emotividad admirables, lo que llena a B1620-25i de una sensibilidad poco habitual en el a veces frío campo de la electronica. En este sentido, la instrumentación también juega a favor; la caja de ritmos nutre al sonido del dúo de un espíritu de cierto modo pueril, al tiempo que no hay tiempo muerto en la improvisación, de modo que se consigue un estilo dinámico y cautivante.
Detrás de su aparente cripticismo, el sonido de AEdB está lleno de sutilezas y matices que hacen de B1620-25i un disco excelente. -IMF

Föllakzoid | 2015 | III

Space | Krautrock

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Diego Lorca, Domingo García-Huidobro, Juan Pablo Rodríguez y Atom™ (sintetizador)

En III Föllakzoid dieron el paso preciso en su trayectoria. Se desligaron de la mecánica kraut-motorik a la que se habían acostumbrado demasiado -a veces a costa de sonar forzados- y atreviéndose a cambiar su sonido, se aventuraron libremente hacia una psicodelia sin cánones y sin formas definidas. Y lo que lograron es difícil de transmitir en palabras. Sí, sigue siendo cósmico y espacial, pero el lenguaje claramente dejó de ser kraut o, incluso, de ser rock. Es hipnótico y meditativo en un sentido primario, casi como un mantra o la música tribal, y extrañamente -y tal vez por el mismo motivo- en su minimalismo monolítico también tiene algo de electronica, de microhouse. Es un verdadero ritual sónico que conjuga esta vocación por la construcción en base a la repetición con una emotividad increíble en su sonido, una sensibilidad musical hermosa que destaca, sobre todo, en la segunda mitad del disco.

Las atmósferas que se logran en cada canción con el paulatino y sutil desarrollo sobre las sencillas líneas melódicas iniciales son bellísimas, delicadas y, a la vez, de una psicodelia pura, liberada de cualquier clave estilística en particular, lo que nutre a su sonido de una honestidad y una humanidad inéditas en la discografía de Föllakzoid. En este sentido, más que ser un factor negativo, la larga extensión de las canciones es un componente que la banda usa a su favor con genialidad, al contribuir a que el momentum no se pierda en ningún momento del álbum. Y por lo mismo, III no necesita más que cuatro piezas para ser perfecto.

Hasta ahora III es, por lejos, el mejor álbum del año, y lo atractivo de su sonido y los nuevos colores que surgen en él en cada escucha me hacen pensar que conservará ese sitial. Aunque la reciente escena neo-psicodélica chilena adolece de una falta de discurso crítica en un país como Chile, álbumes como III dan cuenta de que la profundidad ha encontrado otras vías por las cuales expresarse y que, a fin de cuentas, también puede haber esperanza en estos nuevos sonidos. Con discos tan perfectos como este, cabe esa esperanza. -IMF

The Holydrug Couple | 2015 | Moonlust

Neo-psychedelia

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En Moonlust la fórmula de The Holydrug Couple sigue siendo la misma, pero el lenguaje del dúo ha evolucionado, siguiendo la trayectoria que Noctuary -su predecesor- ya había delineado. De la psicodelia más pura de sus primeros trabajos, que recordaba a The Ganjas o The Black Angels, han pasado a un sonido onírico en que predominan las melodías dulzonas -en el buen sentido- y, sobre todo, el desarrollo de atmósferas cálidas y reconfortantes, que de algún modo conservan su condición lisérgica de antaño. En este sentido, en Moonlust los teclados se han vuelto un elemento central del estilo de la banda, al tiempo que han ido incorporando ciertos elementos electrónicos. A ratos esto hace extrañar el carácter más orgánico de The Holydrug Couple, sobre todo por lo forzado que puede resultar el ejercicio, y por lo mismo se agradece que no se abuse de este nuevo componente y siga habiendo espacio para momentos en que asoma el dinamismo creativo del dúo, aun con su nuevo lenguaje. De hecho, son esos instantes en los que se rompe una cierta monotonía en la que se cae por una aplicación demasiado mecánica del nuevo canon, y lo consiguen con algunas canciones que realmente destacan, como "Concorde" o "Submarine Gold".
En suma, Moolust da un paso más arriesgado que el que dio The Holydrug Couple en Noctuary, y el resultado, sin ser perfecto, es muy positivo. La dulzura de la nueva fórmula le da un carácter cautivante y regocijante al sonido de la banda, que se nutre de una sensibilidad pop para colorear atmósferas tan soñadoras y volátiles que atrapan a cualquiera. -IMF